La increíble verdad

La increíble verdad...

2008-05-13T00:11:00.001+02:00

R.I.P. it up and... ¿Start Again?

2008-03-27T20:39:00.002+01:00

Creo que no existe otra canción mejor para resumir este blog.

Bloggear puede quemar.

2008-03-27T11:54:00.004+01:00

Desde hace unos días, Simon Reynolds nos tiene más que confundidos con una serie de entradas en su blog que no parecen significar absolutamente nada... o sí. En este hilo del foro dissensus se apuntan varias teorías, la más sensata de las cuales me parece que es la que apunta a que el crítico inglés prefiere dedicar su tiempo libre a sus vida familiar. En cualquier caso, me he decidido a hacer esta entrada porque dentro de ese mismo hilo he encontrado todo un párrafo que representa al 100% el estado en el que yo me encuentro ahora mismo con respecto a este blog:

actually what i said was that i would soldier on until the blog's 5th birthday in august and then knock it on the head. or maybe i won't. my mood changes daily. the thing is i do feel pretty much 'all blogged-out', but at the same time i'm aware of all the interesting people and activities i've been involved in because of it. i'm mindful of the fact that i might get a few more dj bookings or other interesting offers by keeping the blog active, wheras if i stop i'll be back to being a complete nobody again within a short space of time. blogging is the only music related activity that i've ever had any success with, so i really should be grateful...but the urge to quit still comes over me at very regular intervals.

El autor de estas palabras es Nick Gutterbreakz, autor de este blog . Esto no quiere decir necesariamente que esté tirando la toalla aquí y ahora. De hecho, sigo preparando cosas; un artículo sobre Shackleton -que quiero cuidar bastante, con muchos detalles, y por eso mismo llevará un tiempo- otro sobre el "Third" de Soft Machine, otro sobre el fenomeno de las mixtapes en el grime... Pero con dos trabajos y preparando unas oposiciones, me temo que no voy a tener mucho tiempo para nada de esto en las próximas semanas. Es más que sorprendente, de todos modos, que alguien a quien no conozco personalmente haya clavado esa cierta sensación de desencanto que llevo arrastrando varios meses con el blog y que hasta ahora no he sabido expresar en palabras.

Playlist, marzo 2008

2008-03-17T12:46:00.009+01:00

No sé si el nuevo single de Shackleton es el mejor de su carrera; aunque se ve que tiene la maquinaria perfectamente engrasada, ha rebajado el factor sorpresa de manera considerable. En cualquier caso, es de lo que más me ha gustado de entre las novedades que he escuchado este mes, y la portada es tremenda (es la que podés ver después de este párrafo). Por lo demás, nuevas e interesantes noticias de otro nombre con mayúsculas dentro del dubstep (Kode9, remezclando a Badawi, a quien me estoy encontrando por todas partes estos días), un nuevo fichaje de Hyperdub (Darkstar), un más que interesante mix de Junior Boys, con un sobresaliente inédito suyo, el regreso a los discos en solitario de Robert Forster por el triste motivo que ya todos conocemos, el esperadísimo cd de Soul Jazz repasando 25 años de MCs en el Reino Unido (An England Story), el no menos esperado regreso en formato single (en unos meses habrá disco nuevo) de uno de los grandes de esta década en mi opinión (Fennesz), el emocionante debut de Joe Crepúsculo, y el disco del colectivo Strings of Consciousness con colaboraciones vocales de, entre otros, Barry Adamson. El mix que más me ha gustado este mes ha sido el "Roots, Reality and Culture" sobre dancehall socialmente consciente, para desmentir aquella idea de que en el dancehall solamente se canta sobre chochos y pistolas.

An England Story

Badawi feat Kode9 --- "Den of Drumz"

Darkstar --- "Need You"

Fennesz --- "On A Desolate Shore A Shadow Passes By"

Joe Crepusculo --- Escuela de Zebras

Junior boys --- Body Languag Vol 6

Loefah --- "It’s Yours"

Robert Forster --- The Evangelist

Shackleton --- "Death Is Not Final"

Strings of Consciousness --- Our Moon is Full

The Heatwave --- Blogarriddims 36: Roots, Reality and Culture

2008-03-03T10:32:00.003+01:00

Durante unos días, hasta que reorganice mi vida y me acostumbre al nuevo horario de mi pluriempleo, solo tendré tiempo para decir cosas muy breves en twitter.

Si no votas NO te calles (y un poco de reggaetón)

2008-02-28T11:07:00.004+01:00

El otro día un amigo me preguntó si iba a votar, yo le dije que tenía mis dudas y el me respondió con la clasica coletilla "si-no-votas-no-tienes-derecho-a-protestar", que me parece una frase más propia de mafiosos que de otra cosa. O entras por el aro, o no existes. Entonces, si yo al final no voto, no podría escribir más entradas sobre política por aquí. Sería absurdo ¿no?

Por lo visto, en Puerto Rico ocurre lo mismo, y pongo como ejemplo una cita del más que estimable blog Reggaetonica,:

¿Pero y qué pasa cuando los candidatos son casi igualmente paqueteros, raqueteros, velagüiras? ¿Qué pasa cuando ninguno de los candidatos vale la pena? ¿Qué pasa cuando la única opción es escoger entre candidatos que (para citar mi actualmente favorita canción de Tego) “ni fú ni fá”? ¿Entonces qué les estamos pidiendo a los jóvenes que hagan? ¿Que se conformen con uno de dos o tres candidatos flojos porque hasta ahí llega su derecho de intervenir en los asuntos del país?

Nacarile del oriente. Ni fú ni fá.

Esa frasesita que escogieron como el tema de campaña me parece bastante terrorífica, por cierto: “Vota o quédate calla'o.” ¿Querrán decir que no votar es como quedarse callao? ¿O será que si no votas, entonces no tienes derecho de opinar sobre lo que pasa? ¡Uy! Cual de las dos opciones más engañosa.

La campaña publicitaria a la que se refiere es esta, en la que aparece Daddy Yankee:

En realidad, esta entrada es para hablar de este blog, que he descubierto estos días y es una fuente valiosísima de información sobre las relaciones entre reggaetón y política, reggaetón y machismo, o esta mezcla de soca y reggaetón que ella denomina socatón y que parece ser fue un gran éxito el pasado verano:

Por cierto, que esta canción en particular fue analizada por otro blog que estoy leyendo intensivamente estos días, el de WayneandWax. Atención sobre todo a los comentarios, en los que se establecen conexiones con músicas africanas especialmente interesantes.

Y, claro, el blog es especialmente interesante porque ofrece la perspectiva de una mujer sobre el género. Su autora, Raquel Z. Rivera, está preparando una antología de textos sobre el reggaetón, a publicar en el 2009 y que un servidor espera con ansiedad.

Fear of a Muslim Planet

2008-02-26T11:05:00.006+01:00

Me ha llamado mucho la atención esta foto que, de manera bastante cuestionable, se está usando para desprestigiar a Obama. Y lo es porque parece revelar que la comunidad musulmana se ha convertido oficialmente en el nuevo subalterno de la comunidad estadounidense. El término subalterno, ha sido desarrollado por Antonio Gramsci, Gayatri Spivak o Homi Bhaba, entre otros. Siguiendo lo que dice la entrada sobre el término en la wikipedia (en inglés, más completa que la española), me quedo con lo que dice Spivak al distinguir la idea de subalterno de una mera discriminación. Cuando uno pertenece a una comunidad subalterna, no es solo que sea discriminado, sino que se le está negando el acceso al discurso hegemónico de la sociedad, es decir, se está bloqueando su presencia en entornos como el político que darían visibilidad social y naturalizarían la presencia de los musulmanes en EEUU. Enlazando con esta idea, me acabo de encontrar -gracias a Wayne&Wax- con este artículo que dice que el mainstream de la comunidad musulmana en EEUU (si es que existe, que el texto también lo cuestiona) es pro-Obama, pero que no puede airear su apoyo porque más que beneficiar al candidato, le perjudicaría. No solo eso, el equipo de Obama no puede reconocer ese apoyo por los mismos motivos, de ahí que se hayan sentido ofendidos por la publicación de la foto que ilustra esta entrada. La conclusión es que es alarmante que los políticos estadounidenses tengan tan pocos reparos a la hora de bloquear el acceso de la comunidad musulmana a una esfera de reconocimiento público y político de perpetuar su imagen como una cultura "peligrosa". En fin, estaba en sus manos cambiar esta situación, y al menos ahora ha quedado claro que ninguno de los candidatos demócratas tiene ningún interés en cambiar esta situación.

Warrior Queen & The Heatwave - Things Change

2008-02-26T10:31:00.003+01:00

Como ya sabéis, uno de los lanzamientos que más ganas tengo de tener entre manos es el An England Story de Soul Jazz. Será cuestión de días, porque ya lo he pedido en la página del sello. En el myspace del sello inglés me acabo de enterar de que también saldrá una de las canciones en formato 12". En concreto, se trata del tema que Warrior Queen ha hecho con The Heatwave, el immprescindible colectivo que también hizo el mixtape que enlacé por aquí el otro día. La canción se titula "Things Change" y es un pelotazo de dancehall con un piano -envuelto en reverb en los primeros segundos de la canción- en el que es un placer perderse. Del disco ya hablaré largo y tendido cuando lo haya escuchado y digerido, pero también prometo aquí y ahora hablar de Warrior Queen, a quien muchos conoceréis por ser la voz del tema "Check-It", incluído en el, hasta el momento, único LP de Skream. Lo que me recuerda que se acaba de editar de manera normalizada el EP Skreamizm 4, del que también habría que hablar... uf, hay cuerda para rato.

Massive Attack y el sonido de las calles inglesas en los 80

2008-02-22T12:11:00.006+01:00

Hoy vamos a ir de la Incredible String Band a Massive Attack. Comenzamos con los primeros, y en concreto con algo que leí en el artículo de Brian Morton en el número de The Wire de julio del 2007 en el que entrevista a Robin Williamson, y en cuyos primeros párrafos Morton enlazaba el romanticismo y el capitalismo para explicar la conversión de la cultura en una mercancía. Al leer esto, me acordé de las críticas que recibió el Blue Lines de Massive Attack cuando salieron a la luz las canciones que habían utilizado para construir algunos de los temas de su, hasta entonces, unánimemente aclamado debut. Del romanticismo también nos llega la idea del artista genial (y, a ser posible, atormentado), que, efectivamente, tiene una curiosa relación a explorar con el proceso de industrialización de Europa y el surgimiento del capitalismo.

Y todo esto lo digo porque tengo la sensación de que las críticas al supuesto plagio de Massive Attack solamente tienen sentido desde una perspectiva capitalista. Me explico; hay que partir del tiempo pre-copyright del folk en el que las canciones eran propiedad colectiva y en el que, como leí en alguna parte que no consigo recordar, coges de alguien una canción o una letra, le das una vuelta y la dejas para que el siguiente le añada su toque. La música jamaicana funciona así. El ejemplo más claro es el dub, donde los distintos ingenieros cogían una canción –no la “robaban”- y le daban una vuelta de tuerca, con frecuencia cambiándole hasta el significado. Este proceso podía tener diferentes etapas, de modo que un ingeniero podía coger una canción de alguien, hacer su propia versión dub, para que luego viniese otro ingeniero e hiciese sobre la nueva base otra adaptación dub. Eso sí, en ningún momento deberíamos hablar del tema “original” y sus “versiones”, como si estas fuesen de segunda categoría, no es una manera productiva de acercarse al dub. Me temo que este es otro argumento que solo tiene sentido en una estructura capitalista en la que las versiones y los remixes quedan relegadas a las caras b del formato single, un mero sobrante de las canciones “originales”, que es el producto con prestigio cultural y el depositario del reconocimiento artístico.

El dub, como ya sabemos, se coló muy pronto en Inglaterra a través de las comunidades inmigrantes, y ya en los ochenta tenemos colectivos que funcionan al margen de la industria musical, mezclando de manera natural la influencia estadounidense del hip hop con la jamaicana del dub y los logros más interesantes del punk. Entre estos colectivos, claro, estaban los Wild Bunch. Supongo que el problema es que cuando “entras en el sistema” y sacas un disco y firmas a tu nombre canciones basadas en parte en otras ya existentes hay un conflicto en relación con los derechos de autor. Se puede achacar a Massive Attack su morro por reconocer solamente “Be Thankful For What You Got” como una versión, pero lo cierto es que el concepto de versión, tal y como lo entendemos normalmente, no se aplica de manera cómoda aquí. Del mismo modo que un desconocido podía coger una canción en el siglo XIII, darle su propio toque en las letras y pasársela a otro para que hiciese lo mismo, Massive Attack funcionaban así. No se puede hablar estrictamente de robo, porque creo que está claro que 3D y compañía no se limitaron a reproducir el "original".

En cualquier caso, su manera de construir las canciones es un fiel reflejo de sus actividades como DJs, del solapamiento de distintos temas, sobre los que se rapeaba, cambiando el significado de las canciones originales y dando lugar a un todo orgánico construido a partir de elementos de distintos orígenes. En el disco Blue Lines hay que tener en cuenta, además, la luminosa y lujosa producción como un elemento creativo más que justifica que hablar de plagio en los casos de “Daydreaming” o “Safe From Harm” (de las canciones “Mambo”, de Wally Badarou y “Stratus” de Billy Cobham, respectivamente) no sea del todo correcto. A finales de los ochenta, Massive Attack construían sus canciones de un modo no demasiado diferente a cómo lo haría alguien antes del Romanticismo y esa idea del genio que a veces se muestra un poco acartonada, por ejemplo a la hora de valorar los logros anónimos o colectivos. En este sentido, los de Bristol eran por aquel entonces unos estupendos representantes de cómo se hacía música en las calles inglesas en los ochenta, reflejando los cambios sociales que había sufrido Inglaterra durante el gobierno Thatcher. Es por este motivo por el cual Blue Lines me sigue pareciendo una obra maestra. Luego serían carne de revista de tendencias -y los videoclips de sus discos posteriores son buena muestra de ello- y se pasarían al lado oscuro, poniéndole música a la tensión pre-milenio. Esto último no me parece algo necesariamente peor, simplemente diferente, ¿hasta qué punto tiene sentido que 3D conserve el nombre del grupo cuando lo que hace ya tiene muy poquito que ver con su primer disco?

Aprovecho para decir que no sé qué me gusta más, el “Be Thankful For What You’ve Got” de William de Vaughan, esta versión extendida, la de Massive Attack o la versión diferente que aparece en el videoclip.

Broadcast, The Noise Made By People

2008-02-21T12:26:00.008+01:00

A Broadcast les tocó salir desde una posición muy poco ventajosa. Su fichaje por Warp dejó perplejos a muchos y, de hecho, fue el inicio de lo que ahora sabemos que fue un cambio de dirección en el sello de Sheffield. En esa situación, resultaban excesivamente pop para los aficionados a la electrónica marca de la casa, por no hablar del uso de instrumentos tradicionales. Pero, paradójicamente, su acercamiento al avant-garde sonoro alienó a los fans del pop retro sin comoplicaciones. Para añadir más leña a tan triste fuego, las críticas los situaban como un cruce entre Portishead y Stereloab. La asociación con la banda de Bristol era especialmente incómoda en un año 2000 en el que muchos teníamos la sensación de que ya habíamos escuchado demasiados ambientes cinematográficos con el traqueteo rítmico a cámara lenta. Aunque es indudable que la propuesta de Broadcast guarda puntos en común con ambas bandas, lo suyo era más una reivindicación del legado de la banda estadounidense United States of America, cuyo único disco no se cansaban de reivindicar ellos mismos en muchas entrevistas de la época. Paradójicamente, uno de los grupos más ingleses que se me ocurren de los últimos años está directamente inspirado por un grupo estadounidense, aunque no es un caso excepcional, recordad, por ejemplo, como Fairport Convention le dieron la vuelta al folk inglés después de escuchar el primer disco de The Band.

Finalmente, otro aspecto problemático tiene que ver con la grabación del disco, que parece ser que fue lenta y tortuosa, con continuos encontronazos con el productor, hasta el punto de que en entrevistas para promocionar discos posteriores, miembros de la banda declararon estar más bien poco contentos con el resultado, y que más les habría valido haber contratado únicamente a un ingeniero de sonido para que les asistiese. Y, si nos ponemos fiscales, sí que es cierto que el disco suena un tanto apagado. Bueno, tampoco vamos a exagerar, pero el disco tiene un ambiente ceñudo y ensimismado, casi excesivamente serio y acartonado que quizás sea consecuencia de ese excesivo esfuerzo que la banda realizó para que el disco quedase tal y como ellos querían. En este sentido se parecen a Stanley Kubrick, su estilo, maniático y obsesivamente perfeccionista, resta eso que llamamos “alma” a sus películas. Lo mismo ocurre con este disco. Para comprobar esto no hay más que echar un vistazo a la versión de “Unchanging Window” que aparece en este disco y la que apareció en uno de los EPs publicados el mismo año. La del EP es mucho más vibrante y colorida, mientras que la del disco suena más apagada.

Con este panorama, no es de extrañar que muchos recibiesen a Broadcast con incertidumbre. Pero el tiempo y su obra posterior se ha encargado de despejar cualquier duda acerca de su propuesta, hasta el punto de permitirme decir que esta es una de mis bandas de pop británico favoritas de esta década. Su propuesta hacía, y hace, gala de una coherencia estética que afectaba a todos los aspectos de su imagen sonora y visual, algo que es evidente cuando coges alguno de sus discos en las manos, diseñados con un cuidado exquisito, sus LPs, singles y EPs reflejan a la perfección la nostalgia del futuro y la psicodelia pop que caracteriza también el sonido de sus discos.

Pero, por mucho que ellos se sintiesen frustrados durante el proceso de grabación, el inicio del álbum, con “Long Was the Year”, sitúa las cosas en su sitio. Se trata de una canción que define a la perfección su universo sonoro, su pop introvertido, atraído por los cachivaches de la electrónica analógica y por el mito futurista que envolvía a dichos instrumentos. Un futuro que, por cierto, no es que sea pasado, es que nunca llegó a suceder, de modo que es un extraño y polvoriento futuro pasado de moda pero constantemente reivindicado por bandas como Broadcast o, en la actualidad, por el imprescindible sello Ghost Box. Trish Keenan canta con su característica voz, emocionalmente distanciada, que algunos identifican como una garganta inglesa a más no poder, comparándola con, obviamente, la de la cantante estadounidense de United States of America. Pero no hay que caer en el error de compararla con Beth Gibbons, pues la voz de esta última posee un claro tinte negro que la monocromática voz de Trish evita en la mayor parte de los casos. No es recomendable perderse a Broadcast por considerar la voz de su cantante como falta de alma, pues sí que resulta emocionante oída junto al resto de elementos que conforman sus canciones. Aquí podemos usar el argumento de la voz usada como un instrumento, como una textura más en unos murales sonoros que enlazan con una tradición de pop británico con cantante femenina e instrumentos electrónicos que va de White Noise a los propios Broadcast pasando por Young Marble Giants. Una tradición muy interesante que, todavía hoy, es capaz de encender la creatividad de músicos y críticos por igual, como veremos en la segunda parte de esta entrada.

2008-02-19T11:03:00.002+01:00

Durante las próximas horas el blog estará hecho unos zorros, mientras investigo con una nueva herramienta de blogger que permite personalizar el diseño de los blogs.

Jay Sean y la presencia india en la música británica

2008-02-18T12:31:00.005+01:00

El mixtape que comenté en la anterior entrada, además de centrar la atención en las conexiones con Jamaica, también cuenta con varios temas que permiten ver la conexión con la población británica de origen indio. Es fácil comprender la influencia de la música jamaicana e india en la música popular británica teniendo en cuenta que esas son, precisamente, las dos comunidades de inmigrantes con mayor peso social en Inglaterra. De entre los muchos nombres que aparecen en el tracklist de An England Story, uno de los que me llamaron la atención fue Jay Sean, quien obtuvo con su primer disco algún que otro hit en la lista de singles británica y dos millones de copias despachadas en la India, según cuenta la Wikipedia. Su música era una amalgama de R&B y desi, algo que parece que ha cambiado ligeramente en su nuevo disco, del que ya se conoce un primer single -“Ride It”-, en el que la conexión directa con la India desaparece a favor de un simple aire oriental, y que es un buen ejemplo de la asimilación cultural que caracteriza a buena parte de la segunda generación de inmigrantes británicos.

Hanif Kureishi se hizo famoso escribiendo sobre este salto generacional en El buda de los suburbios y El libro negro, y Zadie Smith con Dientes blancos, también. Libros todos ellos divertidísimos, bien escritos y con los que se aprenden un montón de cosas sobre cómo es la sociedad británica de los últimos treinta años. Volviendo a Jay Sean, es interesante comprobar cómo el éxito que le dio a conocer, “Dance With You”, está dirigido a un público asiático-británico, con independencia de que su éxito mainstream rompiese con esa frontera, y ahí es precisamente donde reside su valor. En “Ride It”, en cambio, vemos las recurrentes fantasías de lujo y alta sociedad que tantas veces hemos visto en los videoclips de hip hop, 2step, etc. para representar sus aspiraciones de asimilación cultural. Y, vale, “Ride It” me parece, de hecho, una buena canción, porque tiene un aire entre Japan, Junior Boys y el cine de Michael Mann más que decente. No me cuesta imaginarme a los Junior Boys fijándose en esta canción, por ejemplo, o ilustrando alguna escena de una película de Michael Mann. Y luego, si queréis, debatimos si el capitalismo actúa como el señuelo más eficaz para borrar las diferencias culturales, algo que, además de culturalmente empobrecedor, probablemente sea cierto.

En cualquier caso, cuando leo por ahí esas campañas para que los inmigrantes adopten las costumbres españolas siempre me siento un poco incómodo porque es algo injusto para los inmigrantes. Estas propuestas no dejan de tener implícita esa idea de subrayar “quién manda” aquí, de dejar bien a las claras las relaciones de poder. Cuando una presencia inmigrante empieza a tener un peso notable en la sociedad, la única salida justa es una negociación entre ambas partes, y canciones como estas, con sus historias de asimilación o reivindicación de la cultura india, y con su relación con el mainstream, representan precisamente esa negociación, que ha de ser necesariamente lenta y, desde luego, no impuesta. Pues lo dicho, que uno de los aspectos más fascinantes de canciones como estas es que a través de ellas vemos a una sociedad británica en pleno proceso de transformación, y cómo un representante de una de las comunidades de inmigrantes más importantes representa esos cambios.

Risi Rich feat. Jay Sean and Juggy D --- "Dance With You"

Jay Sean --- "Ride It"

An England Story, el mix

2008-02-17T19:37:00.006+01:00

La gente de Soul Jazz va a publicar, a finales de febrero, un doble cd en el que se dará cuenta de lo que ha dado de sí Inglaterra en cuanto a MCs. La recopilación, titulada An England Story, es uno de los discos que espero con más ganas en estos momentos. Para aliviar la espera, aquí os dejo un link a un mix con la misma línea argumental, y que de hecho será editado también por Soul Jazz en marzo. El mix me lo encontré en The Heatwave, que es una de esas páginas en las que me podría pasar horas y horas leyendo y escuchando cosas. Tal y como se dice en las notas que acompañan a este mix, de lo que se trata es de desmontar ese mito según el cual el Reino Unido no ha dado una tradición consistente de MCs. Además, subrayan la conexión con Jamaica como rasgo distintivo de las distintas músicas que, en los últimos 25 años, han hecho uso de MCs como un elemento esencial. Tanto el grime como el ragga jungle, por ejemplo, están claramente influenciados por el dancehall reggae.

En palabras de DJ/Rupture:

74 minutes of bass nationalism (the only acceptable kind) based on flux, transatlantic fashion, immigrants into insiders, MCs and hot beats no border can contain

Tracklist

YT - England Story, Sleng Teng remix (Sativa Records, 2006)
Kenny Knots - Watch How The People Dancing (Unity Sounds, 1986)
Ackie - Call Me Rambo (Heavyweight, 1986)
Rodney P - Riddim Killa (Low Life, 2002)
Estelle & Joni Rewind - Uptown Top Rankin' (Ill Flava, 2002)
Blak Twang - Red Letters (Blakjam, 1998)
Top Cat - Love Me Ses (Dance Vibes, 1988)
Glamma Kid - Fashion Magazine (Mafia & Fluxy, 1995)
General Levy - The Wig (Fashion, 1992)
Tubby T - Ready She Ready (Big League, 2003)
LD aka Da Riddla - Peace Ah Dat (Freedom Sounds, 2004)
Apache Indian - Chok There, Bombay remix (Island, 1993)
Jay Sean, Juggy D & Rishi Rich - Dance With You, Diwali remix (Relentless, 2003)
Dynamite MC & Emptyheads - Shake, Jstar remix (Surface2air, 2006)
Troublesome - More Girls, R'n'B mix (Mafia & Fluxy, 2000)
Yungun - Push (Heatwave special, 2005)
Shizzle - Rotate Dem (Kray Twinz, 2006)
Roll Deep - When I'm 'Ere (Relentless, 2005)
Slew Dem feat Jammer, G Man, Shorty Smalls, Ears, Chronik, Kraze & Knuckles - Joy Ride (Slew Dem, 2006)
Rossi B & Luca - Run 4 Cover (white label, 2005)
Klashnekoff - Jamrock Freestyle (white label, 2005)
Tippa Irie - Complain Neighbour (UK Bubblers, 1985)
Papa Levi - My God My King (Taxi, 1984)
Tenor Fly - Bump & Grind (9 Lives, 1994)
Massive Attack - Daydreaming (Wild Bunch, 1990)
Skibadee - Tika Toc (Ahead Of The Game, 2006)
Lady Sovereign & Riko - Random, Menta remix (Casual, 2004)
Dizzee Rascal - I Luv U (XL Recordings, 2003)
Lady Stush - Dollar Sign (Social Circles, 2002)
Warrior Queen & Sunship - Almighty Father (Casual, 2004)
Tricky - Hell Is Round The Corner (Fourth & Broadway, 1995)
Suncycle - Somebody (Jamdown, 2004)
Blackout JA & Marley - Hot Show (Ball A Fire Muzik, 2004)
Navigator & Freestylers - Ruffneck (Freskanova, 1998)
General Levy & M-Beat - Incredible (Renk, 1994)
UK Apachi & Shy FX - Original Nuttah, Bhangra Jungle remix (SOUR, 1994)
Top Cat, Shy FX & T Power - Everyday (Digital Soundboy, 2006)
Jakes & TC - Deep (DSR, 2006)
Smiley Culture - Police Officer (Fashion, 1984)
Jah Screechy - Walk & Skank (Blacker Dread, 1984)

El playlist de La Increíble Verdad. Febrero 2008

2008-02-14T10:29:00.004+01:00

AUTECHRE --- Quaristice

BENGA --- Diary of an Afro Warrior

BOK BOK & MANARA --- Mad Decent Worldwide Radio #25: What’s a Niche?

EARTH --- The Bees Made Honey in the Lion’s Skull

EVANGELISTA --- Hello Voyager

IKONIKA --- "Please" / "Simulacrum"

PEVERELIST & APPLEBLIM --- "Circling" / "Over Here"

SEBASTIEN TELLIER --- Sexuality

SKREAM --- Rinse: 02

TACHENKO --- “Hacia el huracán”

Más Savage Pencil

2008-02-13T11:09:00.007+01:00

Via DamagedGoods me ha llegado al correo la portada y la contraportada escaneadas de la edición en vinilo del recopilatorio de Blast First titulado Nothing Short of Total War. No he podido evitar subir las dos imágenes al blog. De propina, la más reciente tira que ha hecho para The Wire, concretamente para el número de marzo, en el que se mete con Portishead, cuyo nuevo disco se llama Third. Y si al leer el título del nuevo disco habéis pensado en Soft Machine, yo también. Y se ve que el Sr. Savage Pencil también. Por cierto, que no sé por qué pero me va a costar mucho escuchar el nuevo disco de la banda de Bristol sin escepticismo. Pero prometo que lo intentaré. ¡Ah!, y si alguien encuentra por alguna parte el recopilatorio de Blast First en vinilo y a un precio razonable, ¡me lo cuente!

Jem Cohen, Building a Broken Mousetrap. The Ex in New York

2008-02-12T13:18:00.001+01:00

Hace unos pocos días que Touch & Go ha puesto a la venta en dvd la película Building a Broken Mousetrap, dirigida por Jem Cohen a partir de un concierto en Nueva York de la banda holandesa The Ex. Supongo que es inevitable acordarse de Fugazi al ver esta película, al fin y al cabo Cohen también es el director de la magistral Instrument. Ambas películas presentan similitudes formales, una serie de señas de identidad recurrentes en todos sus filmes, unas señas que a veces corran el riesgo de convertirse en una fórmula. Pero no hay de tener miedo. Al menos en este caso, los recursos estilísticos de Cohen siguen siendo igual de efectivos que el primer día. Se puede señalar como ejemplo la yuxtaposición en el montaje de material filmado en distintos momentos y lugares para construir un tono o transmitir una idea al más puro estilo del cine soviético tipo Eisenstein, a través del montaje. La comparación con Fugazi, por tanto, no es ninguna casualidad, y de hecho la banda de Washington DC es el primer nombre que aparece mencionado en los créditos finales de la película. De hecho, llevando la comparación más lejos, he de decir que viendo este documental me pregunté a mi mismo si podemos hablar de The Ex en estos momentos como EL grupo que cubre el hueco dejado por Fugazi. Por otra parte, en comparación con Instrument, el resultado en esta ocasión es más contenido, debido a que aquí Jem Cohen se centra en un único concierto mientras que en el caso de la película de Fugazi jugaba con grabaciones realizadas a lo largo de numerosos años. La mayor contención en cuanto a montaje también repercute en una mayor cercanía a la banda, ya que gran parte del metraje se centra en filmar a los miembros de The Ex desde el mismo, pequeño, escenario del club neoyorquino Knitting Factory.

El film está dividido en dos secciones. La primera, rodada en blanco y negro y 16mm y con dos cámaras. La segunda, con tres cámaras y en color. La primera parte es más intensa, abundan los planos secuencia y tenemos la sensación constante de estar entre los propios miembros de la banda, sobre el escenario. La cámara de 16mm se inmiscuye entre los miembros de la banda. En ocasiones parece como si el propio cámara estuviese molestando a los componentes de The Ex, y quizás por eso el resultado sea tan intenso, algo muy poco habitual en las filmaciones de directos, que suelen apostar por un distanciamiento neutral o por lo opuesto; una lluvia de puntos de vista más bien desconcertante en la mayor parte de las ocasiones.

En la segunda mitad el montaje está más presente, se incluyen planos del público y volvemos a tener los colores cuidados al detalle que caracterizan la obra del director estadounidense -pero nacido en Kabul- y que siempre me hacen recordar cómo cuando se pasó en una reciente edición del festival de cine de Gijón la película Chain el propio Cohen retrasó el inicio de la proyección hasta que comprobó que la calidad de la imagen era la que él consideraba necesaria.

Como decía, la presencia del público es menos importante aquí que en tantos otros conciertos filmados. Su presencia entre canción y canción se sustituye por imágenes de edificios en construcción en Amsterdam y Nueva York y por escenas de las calles de la ciudad estadounidense, además de imágenes de grupos de manifestantes con motivo de una convención republicana. Todo este tipo de imágenes que complementan el concierto están ahí para subrayar algo que el propio Cohen explica en el libreto que acompaña al dvd; la Importancia del contexto, del hecho de ser conscientes de que el concierto sucede en un momento histórico determinado, lo que permite transformar nuestra mirada sobre lo que estamos viendo y escuchando al tiempo que nos recuerda que, aunque The Ex pueden ser muy divertidos, su música no persigue una evasión de la realidad.

Durante casi toda la grabación suenan repetitivos en el mejor sentido: muy rítmicos, más post-punk que punk debido a los cambios de ritmo, una mayor duración de los temas, y el acercamiento a otras culturas musicales (del cono sur, claro) en los dos últimos temas. De hecho, "Theme From Konono" es mi favorita del lote. Y, por si os interesa, la favorita del propio Cohen es "I.P. Man".

Las señoritas de Avignon y la música negra hecha por blancos

2008-02-07T22:35:00.001+01:00

Pues nada, parece que esta semana no tendré tiempo de escribir una entrada como Dios manda, así que aprovecho para poner el cuadro de Las Señoritas de Avignon, por aquello de la relación entre arte occidental y africano de la que hablábamos en anteriores entradas y comentarios. O entre modernismo y primitivismo. O entre "alta" cultura y "baja" cultura...

Savege Pencil's Black Metal 2007

2008-02-04T22:00:00.001+01:00

A fuerza de ver sus tiras cómicas en la Wire, no solo he terminado acostumbrandome al dibujo feista y negrísimo, también me he convertido en un fan de Savage Pencil. Lo de "negro" lo digo tanto por la abundancia de tinta como por el tipo de humor y el tipo de música sobre el que escribe en la misma revista con su nombre real: Edwin Pouncey. De hecho, algún día me gustaría comprarme un original suyo. Pues bien, en el número de febrero de la revista inglesa, aparece su lista de los 15 mejores discos de Black Metal del pasado año. De esas listas que piden a gritos ser exprimidas a conciencia, yo lo haré. Pensándolo bien, el Black Metal es ya de por sí una música que pide ser exprimida a conciencia, o que te exprime el cerebro a conciencia. Después de un par de ejemplos de su arte, la lista y una recomendación más relacionada con otro tipo de metal (haced click en la imagen para poder leer la lista con comodidad)

Pasamos, entonces, del Black Metal al Doom Metal. El 3 de mayo se representará en el arriesgado e interesantísimo teatro de la Laboral la obra Kindertotenlieder, que aquí nos interesa no tanto porque esté escrita por Dennis Cooper (que también), sino porque está musicada por Stephen O'Malley, uno de los miembros de Sun0))), junto a Peter Rehberg (más conocido como Pita). Su trabajo conjunto para esta obra, ha dado lugar a la formación de un grupo, cuyo nombre toma tres de las consonantes del título de la obra, KTL, y hace cosas como esta:

Aunque la música de este video no pertenece a la banda sonora de la obra, que hasta donde yo sé no ha sido editada todavía, supongo que sí permite una idea aproximada de lo que se oirá el 3 de mayo en el teatro de la laboral. Por cierto, gracias a Joan Vich por darme el soplo.

Labconciertos

2008-01-31T13:29:00.000+01:00

Esto que empieza hoy en Gijón tiene una pinta estupenda. Ya os contaré qué tal.

Otro blanquito sampleador

2008-01-30T10:14:00.001+01:00

Junto al Movies de Holger Czukay y el My Life in the Bush of Ghosts de David Byrne & Brian Eno hay que añadir el Passion de Peter Gabriel para completar un trio de discos publicados en los ochenta y construidos en torno a samples de músicas del mundo hechos a partir de discos, emisiones radiofónicas o incluso grabaciones de campo hechas para la ocasión. Otro motivo por el cual es oportuno señalar a Peter Gabriel aquí es que aparece mencionado en una de las canciones del disco de Vampire Weekend, en la titulada "Cape Cod Kwassa Kwassa". Mención un tanto ambigua, por cierto, esto es lo que dicen; this feels so unnatural / Peter Gabriel too, y en principio da la impresión de que la banda estadounidense es consciente de la incómoda posición en la que estaba Peter Gabriel desde su posicionamiento como mecenas de la denominada World Music, o como blanco usando referencias musicales ajenas en su propio beneficio. Ahí tendría también sentido la autoconsciente frase this feels so unnatural, aunque puede que esté equivocado, a ver si alguien se lo pregunta en alguna entrevista. La propia etiqueta World Music es problemática, porque reduce todo lo que no sea música pop occidental a un solo nombre, obviando que con esa etiqueta nos estamos refiriendo a centenares de músicas que poco tienen en común más allá del hecho de no ser la música de occidente. De hecho, esto que acabo de decir tiene algo que ver con una crítica que se suele hacer a estos tres discos por aprovecharse de grabaciones sonoras que, con demasiada frecuencia, no son acreditadas. En este sentido es muy interesante señalar que Peter Gabriel sacó, en un gesto que le honra y de manera más o menos simultanea a su Passion, otro disco con el revelador título de Passion-Sources, en el que aparecían los temas que inspiraron la banda sonora de la película de Martin Scorsese. Además, Passion-Sources sirve como una primera pista bastante clara de por dónde iban a ir los tiros en el sello Real World de Peter Gabriel. Se suele defender a Passion como el mejor disco de Peter Gabriel, y lo cierto es que es, quizás, el que ha tenido un mayor impacto. ¡Si hasta Michael Gira lo mencionaba en una entrevista en la revista Wire hace unos meses! Lástima que el disco le quedase a un paso de la New Age, que es, de largo, lo más incómodo del último disco publicado en los ochenta por el ex-Genesis.

White-Black Atlantic, 2007-2008

2008-01-28T19:31:00.001+01:00

Hace ahora más o menos un año se publicaba el disco de The Good, The Bad & The Queen, que terminó siendo uno de mis favoritos del 2007. Una de las cosas que más me gustó de ese disco fue el hecho de que algunos de los elementos básicos de las canciones fuesen inconfundiblemente negros. Y no lo digo solamente por la batería de Tony Allen, pues eso sería una obviedad, lo digo también por el bajo de Paul Simonon, entre otras cosas. Vamos, que ese disco entra en la categoría de disco blanco pero negro perfilada por David S. Mordoh en Música en la mochila. También durante el 2007 hablé en este blog de la idea, desarrollada por Paul Gilroy, de Black Atlantic como etiqueta para estudiar las distintas maneras en que las producciones artísticas africanas, afrocaribeñas, afroamericanas (principalmente en EEUU) y afroeuropeas (principalmente en Inglaterra) seguían en contacto, enriqueciéndose mutuamente.

Pues bien en los últimos meses han surgido cuatro discos muy interesantes que entran de lleno en distintas combinaciones de los elementos que acabo de mencionar. Curiosamente, dos de ellos se han publicado en España. Son el de Nisei y el de El Guincho. El de Nisei es un disco insólito por lo bien que les ha quedado el cruce de hardcore y dub. El grupo catalán ha sabido reconocer un nervio común en ambos tipos de música, y de este modo ha enriquecido muy notablemente su sonido. Del disco de El Guincho se ha hablado tanto que solamente quiero añadir que, además de la recurrente referencia a Animal Collective y a Panda Bear, estaría bien acordarse de dos discos clásicos de blanquitos sampleando / robando músicas de distintos lugares del mundo. Me refiero al My Life in the Bush of Ghosts, de David Byrne y Brian Eno y el Movies de Holger Czukay. ¡Ah!, y no os perdáis la entrevista a El Guincho que le ha hecho Joan Vich para el periódico Público, y que ha tenido el detallazo de publicar íntegra en su propio y siempre recomendable blog, Bailar sobre arquetictura. Y atención también al próximo disco de Coconot, ya se puede escuchar un adelanto en su myspace y parece que se trata de un disco que también podremos meter en esta categoría. Vamos, que tiene una buena pinta estupenda. Aprovecho para decir que tanto el disco de Nisei como el de El Guincho habrían estado muy arriba en mi lista de favoritos del pasado año de haberlos escuchado a tiempo. Por cierto, ¿Alguien entiende de dónde ha salido la idea, que he leído ya en varios sitios, según la cual la prensa española ha descubierto a El Guincho tarde y mal, como consecuencia de la resonancia que está teniendo su disco en territorio anglosajón?

Los otros dos discos que quiero mencionar hoy son los de Vampire Weekend, quienes hoy mismo publican un disco de debut que será muy comentado y discutido, y el de Hot Chip –Made in the Dark- a publicar en los próximos días. Estos dos discos tienen varias cosas en común, por ejemplo, que en ambos encontramos ecos de reggaetón, demostrando que el sonido caribeño también se está filtrando en el territorio indie con más ganas de bailar. Eso sí, me siento más cómodo con Hot Chip que con Vampire Weekend. Es que estos últimos tienen una pinta de pijos que echa un poco para atrás. Curiosamente, otra cosa que tienen en común los dos grupos es que ambos tienen miembros que han estudiado en las universidades más prestigiosas: he leído en el número de febrero de la Wire que algunos de los componentes de Hot Chip han estudiado en Oxford y Cambridge, mientras que en la entusiasta crítica que aparece hoy en Pitchfork nos informan de que Vampire Weekend han estudiado en universidades de la denominada Ivy League. En la universidad de Columbia, para ser más exactos. Quizás por eso el video de su canción “Mansard Roof” tiene un aire a Scott Fitzgerald, a celebración de la buena vida, algo que les acerca al pop sueco en actitud. Y como me temo que a mí el pop sueco me tira un poco para atrás por ese aire de “somos tan felices y lo que no sea ligar nos preocupa tan poco” (y ya sé que esto es un prejuicio mío y que yo me lo pierdo y tal, pero sí, me cuesta mucho disfrutar del pop sueco), pues ahí tenemos otro elemento que me hace ser cauteloso con este nuevo grupo. Prefiero el aire de nerds entrañables que se traen Hot Chip. Eso sí, llevaba ni recuerdo cuánto tiempo esperando que saliese un disco así en EEUU. Un disco que sacudiese las telarañas al indie estadounidense, que a la altura del pasado año había llegado a un punto en el que había dejado de interesarme. Es un disco en el que el indie mira con curiosidad e inocencia (afortunadamente nada en este disco suena pretencioso o forzado) a un tipo de pop africano que tiene maravillados últimamente a mucha gente (en España, sin ir más lejos, a El Guincho y a Nisei). Este toque africano es evidente, tal y como señala Nitsuh Abebe en su crítica para Pitchfork antes mencionada, a través de los ritmos pero sobre todo mediante los teclados, que cada vez que suenan parece como si nos llegase una brisa marina, soleada y salada de algún país del África occidental. Por lo que he estado leyendo durante el día de hoy, se les está comparando con los Strokes, Belle & Sebastián y Orange Juice, y lo cierto es que algo hay de cada uno de ellos.

Otra cosa que tienen en común Vampire Weekend y Hot Chip es que uno tiende a pensar que sus contactos con las músicas del Atlántico negro de las que hacen uso (pop africano en el caso de los primeros, R’n’B, hip hop, UK Garage, Grime y más cosas todavía en el caso de los segundos) son fruto sobre todo de la búsqueda en los cajones de las tiendas de discos y de Internet. Vamos, que la diferencia entre estos grupos y The Specials, The Clash, PiL o Scritti Politti es que los últimos sí que pueden presumir de haber sacado sus referencias musicales de un contacto directo con la población inglesa de origen afrocaribeño. En cualquier caso, es este un apunte un tanto resbaladizo, porque ahí nos estaríamos metiendo en cuestiones de autenticidad cultural, que en el caso de estos grupos de blanquitos es algo muy complicado, demasiado complicado para esta entrada, por ejemplo. Por cierto, que el nuevo disco de Hot Chip me parece una auténtica maravilla, el primer disco del 2008 del que me he enamorado, un álbum en el que consiguen sonar todavía más compenetrados y sólidos que en sus discos anteriores.

En definitiva, cuatro discos estupendos con puntos en común que me están alegrando, y mucho, las últimas semanas. Ojalá que sigan saliendo grupos blancos pero negros, que es algo que, está comprobado, (casi) siempre enriquece a la música.

Huggy Bear, Taking the Rough With the Smooch

2008-01-23T12:31:00.001+01:00

HUGGY BEAR
TAKING THE ROUGH WITH THE SMOOCH
KILL ROCK STARS
1993

Mucho cuidado con Huggy Bear. Empiezas a escucharlos con curiosidad , en parte porque te llaman la atención sus opiniones y porque, ¡qué diablos! las primeras canciones que escuché de este grupo de Brighton eran auténticos pelotazos de adrenalina con una esquiva espina dorsal de pop, y al poco tiempo te das cuenta de que son un grupo que vas a escuchar bastante a menudo durante mucho tiempo. Huggy Bear contaban, además, con una imagen entre sexy e intimidatoria que sirve para presentar un tipo de música en el que proyectaron las inquietudes que más les ardían y que nos permiten vislumbrar destellos que van del punk al C86 pasando por la escena hardcore del este de los EEUU, Olympia y Beat Happening, Nueva York y Sonic Youth, y, por supuesto, el revuelo levantado por las riot grrrls estadounidenses, de quienes Huggy Bear se convirtieron en su máximo exponente británico. Fueron el grupo al que le tocó lidiar con una prensa que se mostraba entre deseosa de carne fresca para sus portadas y recelosa de la actitud combativa de una red de bandas que veía en la prensa musical una de las instituciones responsables de la perpetuación de estereotipos masculinos en el rock. Precisamente por este motivo Huggy Bear rechazaron sus opciones de poder mediático mediante su decisión de no conceder entrevistas a los medios de comunicación más importantes. Su hazaña más conocida fue su espontáneo sabotaje a un programa de la televisión británica ante la aparición de unas modelos justo después de una actuación suya (hecho que, irónicamente, les valió una portada en el Melody Maker, demostrando que los medios de comunicación son capaces de engullir incluso aquello que se presenta como un ataque frontal). Este tipo de actitudes eran y son constantemente malinterpretados, lo cual me imagino que para la banda debió de ser un auténtico coñazo. Así ocurrió, por ejemplo, con los ocasionales conciertos solo para mujeres en los que participaron diversos grupos riot-grrrl; cualquiera con dos dedos de frente, o cualquiera que lea uno de los flyers que repartían explicando por qué querían a las mujeres en las primeras filas de sus conciertos, se dará cuenta de que no es un acto que represente una inversión del machismo, sino una reivindicación de un terreno en el que las mujeres pudiesen sentirse cómodas en un concierto, porque tristemente esa parecía ser la única manera de asegurar dicha comodidad.

Este disco está compuesto a partir de una serie de EPs editados previamente, aunque funciona a la perfección como unidad, por eso yo creo que no es necesario señalar de dónde procede cada una de las canciones. Es mejor considerarlas como un paquete, o incluso como un paquete bomba que estalló en los albores del Brit Pop y que hoy en día todavía tiene mucho más interés que el cenutrio –y muy masculino en el sentido más coñazo del término- enfrentamiento entre Oasis y Blur (y, de todos modos, yo estoy de acuerdo con Simon Reynolds, quien en su día dijo que el debate, en cuanto a bandas con calidad, debería haber sido entre Pulp y Blur).

Bueno, y ahora llega el momento de soltar el cliché-que-sin-embargo- esconde- una- verdad: su música parte de un cuestionamiento de las ideas preconcebidas sobre rock y género. En primer lugar, por aquella etiqueta que se pusieron de boy / girl revolutionaries para reflejar que en la banda eran dos chicas y dos chicos, pero también por dar cabida en sus letras a personajes femeninos que pueden ser otras cosas además de novias o eternas adolescentes, que es lo que la crítica feminista denuncia que ocurre en la mayoría de las canciones de rock. Aquí hay personajes femeninos con una gama de posibilidades mucho más amplia; esa chica que se mea en la cara de un policía, por ejemplo, o esa otra que promete que no descansará hasta que cierto tipo esté fuera de la ciudad.

Su música -un ataque repetitivo, machacón, un tanto cafre, ruidoso y en ocasiones arty- es una prolongación de la energía bailable con nervio punk de incontables grupos británicos. Aunque a veces parezca que a estos chicos y chicas el punk les llegó indirectamente por la vía americana de Beat Happening o Fugazi, no podemos olvidar que tenían el punk en la puerta de sus casas. Aquí hay joyas como “Pansy Twist”, que pasa de una primera sección en la que ya se intuye la creciente influencia de Fugazi, para pasar a sonar a continuación como Sonic Youth, todo ello con una letra estupenda en la que hay desde una celebración del carácter antisocial del novio del cantante a líneas muy Gang of Four como por ejemplo: no es triste reconocer este estado de ánimo como un constructo. “Concrete Life” es una fantasía en la que atacan y violan a un policía, una canción de ritmo más lento y con ruidacos de fondo que compensan la ausencia de guitarras distorsionadas. “Pro no from now” es un speech que recuerda a los incluidos por Crass en sus grabaciones y “Prayer” es otro, un poco más arty, con partes tan acertadas en la letra como ¿Es esto sexy? ¿Te crees que me defines? . Tras estos dos cortes llega un jitazo del calibre de “Her Jazz”, en la que cantan lo siguiente; Esto está ocurriendo sin tu permiso / La llegada de los nuevos renegados / girl-boy revolution. Aunque para declaración de intenciones también tenemos la canción “Sizzlement”, en la que canalizan en apenas un minuto y medio el impulso riot grrrl (se sienten como chicas / incluso los chicos) o en “Shaved Pussy Poetry”; sexo y confusión, sabotaje y hardcore […] intersecciones, terrorismos, nuevas comunicaciones. Y, en fin, todo el disco es un disparo efectivo, inmediato, deliciosamente breve (algo más de veinte minutos), en el que la rabia rítmica de "No Sleep" (¿me equivoco si veo la huella de Slits o Raincoats en esta miniatura para voz y percusión?)o “Dissthentic Penetration” encajan a la perfección con la rabia verbalizada en sus letras.

Quizás se nos olvida subrayan que grupos como Huggy Bear o Bikini Kill eran también divertidísimos, y por eso me imagino que sus conciertos tenían que ser memorables en este sentido. ¿Y en el 2008, qué pasa? Y sobre todo, ¿qué pasa en España con este tipo de grupos? Pues que podemos encontrarnos con grupos nacionales con bastantes cosas en común con el grupo de Brighton, y también está el Ladyfest, que va a conocer una nueva edición española a mediados de este año. Bandas interesadas en participar y curiosos en general, visiten su myspace, por cierto.

La foto de la banda en directo la he sacado de aquí.

Mark Fisher "enrojece"

2008-01-21T21:28:00.001+01:00

Mark Fisher termina una de sus últimas entradas en su blog con un párrafo para enmarcar:

Una vez más, la cuestión no es regodearse en la nostalgia de la Vieja Izquierda por el aparato estatal soviético. La cuestión es corregir la idea equivocada propagada por el neo-liberalismo según la cual solamente el capitalismo puede producir una cultura vibrante. No sólo está claro a estas alturas que la cultura “dinámica” del ultra-precario capitalismo no produciría nunca algo como las películas de Tarkovsky, sino que está empezando a ser evidente que […] el capitalismo no puede producir ningún tipo de cultura vibrante en absoluto, solamente infinitas variaciones sobre un tema lúgubremente brillante.

Tres noticias doradas

2008-01-20T21:54:00.001+01:00

Tres noticias relacionadas con discos editados por Producciones Doradas:
1. Anticonceptivas han proporcionado, a través de su fotolog, un link para que podamos descargar una versión anterior de su disco Arte. Lo que tiene de especial con respecto a la versión que editó Producciones Doradas lo explican ellos muy bien:

Este disco lo hicimos anticonceptivas cuando éramos solamente nacho y sergio. Lo grabamos con mucho amor y dedicación. Muchos amigos nos ayudaron: Germán (Bananas) nos dejó su amplificador y toco algo de flamenco, Pau (Za) toco muchas trompetas y Piltri también alguna, y Faythe (Wooden Robot) toco el serrucho en "el buen amor".
Algún cantamañanas nos llenaba nuestras cabecitas con falsas ilusiones de editarlo y con los conciertos que nos conseguiría.
Resulto ser muy poco práctico. Perdimos el tiempo. Ninguna promesa se cumpliría jamás.
Cuando se unieron Luciana al sintetizador y Dani en la batería y decidimos volver a grabar "arte" los cuatro juntos y editarlo con Producciones Doradas, quedando la vieja grabación para el olvido.
Ahora puedes descargarlo de rapidshare totalmente gratis.

Hay que señalar, además, que vienen unas cuantas canciones que no aparecieron en la versión definitiva de Arte. Por cierto, hay que joderse, para una vez que vienen Anticonceptivas a Asturias, voy yo y me voy a Barcelona el mismo fin de semana. Pero bueno, como veo difícil que me aburra en mi visita a Barcelona, prefiero pensar que ya tendré oportunidad de verlos más adelante. Para la gente que sí va a estar por aquí el nueve de febrero, aquí os dejo el cartel del concierto, ¡contadme qué tal!.
2. Un vídeo de Tarántula en directo en el CCCB de Barcelona:
cccb_Taránula

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3. Y si os preguntáis qué es de Tarántula, pues mucho no puedo ayudaros. Eso sí, uno de sus miembros, Joe Crepúsculo, está a punto de editar en Producciones Doradas un disco titulado Escuela de Zebras. Ya podéis catar algunas de sus canciones en su myspace. Volveré a hablar de él cuando saque el disco.

El reggaetón de Obama

2008-01-17T09:26:00.001+01:00

Ya había oído hablar de esto en algún sitio, pero no ha sido hasta ayer cuando he podido ver el vídeo, que descubrí en el blog de Wayne & Wax:
Obama Reggaeton

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Este vídeo ratifica lo que muchos ya sabíamos: que el reggaetón ha tenido un impacto brutal entre la población estadounidense de origen hispano, hasta el punto de que alguien ha decidido que para pedir el voto a los hispanos, antes que hacer el clásico vídeo del candidato de turno chapurreando unas pocas palabras recién aprendidas en español (¿Os acordáis de cuando Bush lo intentó?), es preferible tirar de algo como el reggaetón, que ya es una seña de identidad para los latinos estadounidenses y, lo mejor de todo, un terreno que hasta donde yo sé ningún político estadounidense había tocado antes.

Todo un acierto de marketing por parte de los responsables de esta campaña, aunque me sigue costando horrores encontrar algo en Obama que me haga sentirme optimista. Aquí tenía preparados unos cuantos argumentos al respecto, pero coincide que acaban de subir a la web rebelion un artículo de Vicenç Navarro en el que precisamente se recogen los mismos argumentos, que paso a samplear en este blog:

1- Un ejemplo de ello es Mario Vargas Llosa, quien en su artículo sobre las elecciones en EEUU titulado “Obama y las primarias” se refiere a la mayoría de votantes progresistas que apoyaron al Partido Demócrata como liberales. En realidad, gran número de los votantes que se definen como liberales en EEUU son socialdemócratas, punto que prácticamente nunca se aclara en los medios españoles y todavía menos en los artículos de Mario Vargas Llosa y compañía.
2- El sistema sanitario, bajo la Administración Clinton, continuaría gestionado por las compañías privadas de seguros, mientras que Barak Obama ni siquiera pide la universalización de la cobertura sanitaria (tal como erróneamente informa Mario Vargas Llosa en su artículo de El País), limitándose a pedir la expansión de la muy limitada cobertura sanitaria que existe en EEUU a base de incentivos y subsidios a las empresas y a los individuos (mediante desgravaciones fiscales semejantes a las propuestas por el PP y CiU en España y en Cataluña). Presentar tales dirigentes como dirigentes de centro-izquierda exige una cierta elasticidad en el lenguaje político nuestro.
3- El lenguaje conciliador de Obama transciende la división entre izquierdas y derechas, hablando de la convergencia de intereses entre todos, utilizando un lenguaje que contribuye a diluir su procedencia del Movimiento de Derechos Civiles (cuyo radicalismo, por cierto, posibilitó que hoy él pueda ser un candidato con probabilidades de ser considerado como presidente de EEUU).

Y muchos puntos más en el artículo publicado en Rebelión.

Se publica un libro sobre la No Wave

2008-01-16T13:09:00.001+01:00

Personalmente, cuando me compro un libro, lo que espero es que me ofrezca una perspectiva nueva sobre un género musical o algún argumento original con el que puedo estar de acuerdo o no. Otro motivo para comprarme un libro es que peine un tipo de música en particular. Supongo que hay más motivos, pero ahora mismo son esos los que se me ocurren. Esta mañana he leído un fragmento representativo del libro No Wave, y a pesar de que sintetiza muy bien los puntos más importantes de la escena neoyorquina, me cuesta encontrar en este fragmento algo realmente atractivo y novedoso que me lleve a gastarme los 30 dolares (!!!) que cuesta el libraco. Eso sí, parece ser que el libro incluye muchas declaraciones de esta gente, y como con "esta gente" nos referimos a Lydia Lunch o James Chance, estoy seguro de que ese es el mayor atractivo.

El sonido de la política y la política del sonido

2008-01-15T14:32:00.000+01:00

Últimamente estoy muy metido en los discos que Kevin Martin creó bajo diversos nombres, pero sobre todo como Techno Animal, o apadrinó a través de recopilatorios como Macro Dub Infection o Isolationism. Por cierto que si alguien encuentra este último disco por menos de 30 euros que me lo comunique, por favor. Como soy de los que opinan que la música siempre tiene una resonancia social, me ha gustado enterarme de que Kevin Martin describía la influencia del dub en la música británica como una “educación en la inseguridad […] El dub demostró que había un público para la inseguridad”. Esta cita la he encontrado en el libro sobre el dub que ha escrito Michael E. Veal, quien añade: “Esa inseguridad refleja contornos políticos y culturales cambiantes” Siendo como es la palabra “inseguridad” una de las palabras clave en la presente década, empezando por toda la parafernalia propagandística orquestada por lo que Noam Chomsky denomina estados fracasados para intentar imponer su definición de seguridad fuera de sus fronteras cuando son incapaces de garantizar la seguridad de sus habitantes en su propio territorio, supongo que no es extraño que el dub encontrase en la actualidad una vía de escape con una repercusión respetable como es el dubstep. En un mundo en el que las instituciones ya casi ni se esfuerzan por disimular que no proporcionan más que un simulacro de realidad, y en el que la supuesta amenaza a la seguridad occidental procedente de esa cosa abstracta y cambiante llamada eje del mal ha repercutido en una mayor desconfianza por parte de la población en la capacidad de los gobiernos occidentales de garantizar la seguridad de sus ciudadanos, creo que es comprensible que uno encuentre en las estrategias de desestabilización sonoras del dub una metáfora de la desestabilización social, y que por eso la música de King Tubby, Lee Perry, Kode9 o Burial nos llame tanto la atención en estos momentos . No se puede explicar solamente con este argumento el atractivo del dubstep, por supuesto, pero sí que creo que sirve para situarlo en un contexto en el que nos podemos identificar, más allá del hecho de que este sonido haga referencia, en primer lugar, a un contexto geográfico muy determinado como es el sur de Londres.

Enlazando con el post-punk, tampoco es casualidad que grupos como The Slits, The Pop Group, o New Age Steppers, con un interés de sobra conocido por cuestionar todo lo que pudiese oler a idea preconcebida, quedasen colgados del dub y encontrasen en sus técnicas y texturas un instrumento eficaz para articular sus ideas políticas. El dub y otros sonidos rupturistas / revolucionarios eran un valor al alza en un momento histórico de intento de regreso a formas sociales tradicionales protagonizado por el binomio Thatcher-Bush. O más bien hay que decir que en un contexto social cuyo mainstream intentaba negar una realidad social como era el multiculturalismo británico es perfectamente comprensible que grupos con un perfil político se fijasen en las formas sonoras antiimperialistas, rupturistas, confrontacionales de sus vecinos jamaicanos. Creo que es indudable que parte de la importancia de estos grupos reside en el hecho de que dieron cierta visibilidad a la población afrocaribeña de Inglaterra, una población que por aquel entonces ya estaba consiguiendo cierto nivel de representación en la música popular británica, sobre todo a través de formaciones racialmente mixtas, pero que todavía tendría que esperar hasta finales de los ochenta y, sobre todo, principios de los noventa, para ver su presencia normalizada gracias a discos como los de Soul II Soul, Massive Attack, Tricky, Goldie y un largísimo etcétera.

Es una pena que en la actualidad la visibilidad de la población de extracción afro-caribeña, y sobre todo de su visión de la realidad británica, haya quedado reducida a géneros tan minoritarios como el grime. Y, finalmente, por eso es tan interesante el bassline, porque el reciente éxito de ventas del single "Heartbroken" de T2 & Jodie en las listas británicas, parece anunciar una mayor presencia, al menos en las listas de ventas, durante los próximos meses. A ver qué ocurre. Se puede argumentar que el bassline es hedonista, que es una acusación parecida a la que, curiosamente, se hace casi a cualquier tipo de música popular negra en sus inicios, pero se puede responder a esto diciendo que asociar la música negra necesariamente con letras que reflejen el realismo social para que merezcan "nuestra aprobación" me parece injusto, porque a los músicos blancos normalmente no les andamos exigiendo siempre que sean combativos en el contenido de sus letras. Hay muchas más cosas que las letras que permiten hablar de un grupo añadiéndole el adjetivo “político”. De hecho, Simon Reynolds hace una distinción entre lo que él denomina el sonido de la política y la política del sonido, según la música enfatice el fondo o la forma como lugar en el que proyectar cuestiones políticas. Creo recordar que ejemplificaba el sonido de la política con el roots reggae y la política del sonido con el dub, opciones que, aprovechando que me acabo de leer el nuevo número de esa interesante revista cultural asturiana llamada Lata de Zinc sobre la revolución rusa, podríamos relacionar respectivamente con el realismo social y las vanguardias artísticas como formas de articular contenidos políticos en la música. Pero no me preguntéis que forma prefiero, porque ambas son eficaces a su manera, y hay tantos discos maravillosos en el roots reggae como en el dub, por ejemplo.

El dúo estático @ La Piedra (Valladolid)

2008-01-11T16:34:00.000+01:00

El dúo estático es el nombre que nos hemos pusto Pablo (El blog sin emoción) y yo para pinchar mañana por la noche en La Piedra, en Valladolid. Hay ganas de ver a buenos amigos que tenemos por allí, al menos uno de los cuales suele comentar por aquí.

Más allá de la crítica musical (Periódico Diagonal)

2008-01-11T12:25:00.000+01:00

En el número 69 del Periódico diagonal, que se puede conseguir desde ayer, he colaborado con un artículo centrado en libros sobre música popular, en el que he escrito básicamente sobre mis favoritos. Os pongo el primer párrafo, y si os apetece leerlo al completo, tendréis que hacer click en este link. Dentro de ese mismo número, es especialmente recomendable el artículo de Kiko Amat, también sobre música y libros, desde un punto de partida diferente al mío y con un resultado muy interesante.
Es toda una alegría poder colaborar con publicaciones con las que uno comparte gustos musicales e ideológicos, por cierto, ¡gracias a la gente del periódico por contar de nuevo conmigo!

Aunque hacer una clasificación en dos escuelas de crítica musical sería una generalización muy matizable y llena de excepciones, se puede argumentar que figuras tan representativas como Lester Bangs o Greil Marcus gravitan en torno a una serie de características comunes que los diferencia de escritores británicos como Simon Reynolds o Jon Savage. Desde España, es bastante difícil seguir los debates planteados y desarrollados a través de estos libros por muchos motivos, tales como la casi total ausencia de revistas en las que tengan cabida artículos reflexivos y que no necesariamente sigan la actualidad musical, la poca pegada que han tenido hasta el momento los estudios culturales en nuestras universidades y, sobre todo, la escasez de traducciones al español de libros sobre música. Por lo general, las figuras principales de la crítica estadounidense tienen un fuerte sabor a literatura beat, a nuevo periodismo o a periodismo gonzo. Un buen ejemplo lo tenemos en Lester Bangs, quien además de recuperar de Norman Mailer el concepto de ‘white negro’ para desarrollar la problemática relación entre música negra y blanca, era casi una estrella de rock.

Birthday Party, Junkyard (2ª parte)

2008-01-10T17:00:00.000+01:00

El otro día lo había dejado justo cuando me iba a poner a hablar de la No Wave y de cómo la etiqueta que asociamos con Mars o Teenage Jesus & The Jerks comparte con Birthday Party un similar abuso de los instrumentos, hasta hacerlos sonar como si los estuviesen torturando, y una similar fascinación, desde la excusa de una perspectiva arty -vosotros veréis si eso es bueno o malo- hacia el lado más áspero de la vida y el existencialismo filosófico. Un toque de primitivismo sonoro común en Birthday Party y las bandas de la No Wave ayuda a reforzar la conexión. Por cierto que ese primitivismo, en el caso de la banda de Cave, era buscado. Lean lo que decía el propio Cave en una entrevista de la época para el NME:

Es como desnudar la música hasta una forma muy básica, algo que encuentro mucho más difícil y requiere más inteligencia que hacer una música intricada y aparentemente inteligente. Nos ha llevado años y años ser capaces de hacer eso, de ponernos en pie y tocar algo que es muy fácil musicalmente.

Cave sostiene también una teoría bastante convincente según la cual llegó un momento en el que Birthday Party habían dicho todo lo que tenían que decir, o habían llevado sus intereses formales y expresivos hasta el límite. Momento que coincide más o menos con la publicación de Junkyard. Se entenderá así que seguir con el grupo sería arriesgarse a un crecimiento artístico problemático para el propio concepto caótico y nihilista de la banda, un callejón sin salida en el que también terminaron por morir asfixiadas algunas de las bandas de la No Wave, como por ejemplo Mars. Por cierto, que ayer estuve reescuchando aquel recopilatorio que sacó un sello de Barcelona con todas las grabaciones de la banda neoyorquina y siguen sonando tremendos.

Una vez comentadas estas referencias más o menos constantes a la hora de hablar de Birthday Party es vuestro turno para decidir qué aspectos tienen una mayor presencia en las canciones de un disco de Junkyard. A mí personalmente me llama mucho la atención ver que entre The Go-Betweens y Einsturzende Neubauten hay solamente un grado de separación, el representado por los propios Birthday Party. Mirad, mirad qué cartelazo:

La reedición en cd que tengo, hecha por 4AD, comienza con un tema que aparecía como cara B del single “Release the Bats” (canción que también aparece en la reedición, al final del cd). El tema se llama “Blast Off” y suena como una estampida de animales salvajes. Igual por eso mismo me parece un acierto comenzar la reedición con este tema. Además, el sonido de guitarras –como de lija, áspero y granulado- suena parecido al que obtenían Gang of Four en su Entertainment!. Un saxo gritón y sobre todo una estructura repetitiva y desbocada redondean una canción que sirve como patrón para asimilar el resto del disco. Un entrante de lujo, sí. Como el resto del disco, esta canción está mezclada de tal modo que parece que los instrumentos estén empujando los altavoces para salir de tu equipo de música, o para imponerse los unos sobre los otros, o desangrándose mutuamente, un efecto que sin duda subraya el aspecto de confrontación física que inspira su música. Así las cosas, la siguiente canción -“She’s Hit”- ralentiza el ritmo, demuestra el creciente interés de la banda por las formas sonoras que solemos etiquetar como pantanosas y por eso mismo está recorrida por fantasmas musicales del imaginario estadounidense similares a los creados por David Lynch en sus películas. Uno se imagina fácilmente el descenso a los infiernos de un personaje interpretado por Laura Dern con esta canción de fondo. Y, como en las películas del director estadounidense, aquí hay una oscuridad inquietante puntuada por destellos de luz artificial parpadeante –sinestesia cortesía de la sección rítmica. “Dead Joe” es una bacanal rítmica –¡la batería suena poco menos que como un martillo hidráulico!- que explica que se llevasen tan bien con Einsturzende Neubauten. Gracias al bajo culebreante que suena en “Hamlet (Pow , Pow, Pow)” –sí, es una adaptación del “Hamlet” de Shakespeare- también nos podemos imaginar el humo surgiendo de ultratumba en la escena en la que el protagonista de la obra de Shakespeare se encuentra en un cementerio. Con esta canción me ocurre que llego a la mitad y no sé ni cómo empezó la cosa ni puedo predecir cómo acabará, que es algo que me suele encantar; aquí la banda llega a un éxtasis hipnótico en el que cuesta no caer atrapado, un éxtasis que podría mantenerse hasta el final del disco y que, quizás por eso, termina en un fade out para dejar paso a otra canción en la línea de “She’s Hit”; “Several Sins”. En “Big-Jesus-Trah-Can” Mick Harvey toca el saxo añadiendo a la mezcla un toque de jazz entre lisérgico y neurótico.”Kiss Me Black” sirve para ejemplificar las estructuras de sus canciones; repetitivas y machaconas, sencillas pero sumergidas en un torbellino sonoro en el que la voz de Nick Cave intenta no ahogarse, con su forma de cantar tan característica en esta época, como si las palabras y las onomatopeyas le saliesen a borbotones. “Kiss Me Black” tiene un comienzo en el que se puede observar el peculiar sonido metálico de la batería y correoso del bajo obtenidos en la producción de este disco, también patentes en la siguiente canción, “6” Gold Blade” en la que todo suena metálico, o a botellas de vidrio estampadas contra una pared. Los matices o las pequeñas sorpresas del disco se encuentran en cosas como que una de las líneas de guitarra que suenan semi-escondidas en “Kewpie Doll” suene muy pop, como si se hubiese colado el sonido de la grabación de otro grupo en un estudio cercano. “Junkyard”, el tema titular, es un final de disco perfecto, con Nick Cave graznando, la sección rítmica marcando el paso y las guitarras afilando todo el ambiente sonoro.

“Junkyard” está hecho con la energía del que sabe que ha llevado las cosas por donde quería, pero también hasta los límites expresivos, ese aire que tiene el disco que parece decirnos que el Apocalipsis está al caer sin duda tuvo que ser extenuante y, de hecho, Nick Cave no se cansaba de decir en las entrevistas que he leído de la época que la banda estaba al borde de la desaparición. Pese a todo, canciones como “Dead Joe” seguramente llamaron la atención de Steve Albini, al menos la mezcla de Songs About Fucking suena tan saturada como la de Junkyard. En la reedición del disco que hizo 4AD hace unos años se incluye también una versión diferente de “Dead Joe” y el single “Release the Bats”, que es una bacanal de ritmo trepidante y una excelente elección de single ya que muestra su cara más accesible. Sin pasarse, claro.

¡Hay que ver qué bien le sentó el punk a muchas bandas australianas!

Birthday Party, Junkyard (1ª parte)

2008-01-08T10:21:00.000+01:00

BIRTHDAY PARTY
JUNKYARD
1982

En un artículo publicado en el NME, dos miembros de la banda Birthday Party -Nick Cave y Rowland S. Howard- señalaron una serie de preferencias personales que sirven para situar a la banda australiana en cuanto a referencias: Nick Cave menciona a The Stooges, The Fall, Johnny Cash, Samuel Beckett y Robert Mitchum entre otros, mientras que Howard menciona La noche del cazador, a Raymond Chandler, Dashiel Hammett, Lee Hazelwood o la canción The End de los Doors. Tanta oscuridad y existencialismo les situaba en la línea de muchos grupos que se pasaron al lado oscuro durante el post-punk, con Joy Division como nombre más conocido. Pero también es reseñable el especial acento que ponían los de Melbourne en citar referencias estadounidenses, en contraste con un post-punk inglés por lo general decididamente europeo. Algo que sin duda ayudaría a que el público británico viese en ellos un soplo de frescura, aunque esa frescura pareciese salir del infierno, a juzgar por los sonidos que encierra el disco que voy a comentar hoy.

Al igual que ocurre con muchos de los álbumes que me entusiasman, Junkyad tiene un fuerte sabor a sonidos que asociamos con lugares específicos; el gótico británico, el post-punk australiano (variante Melbourne) o la No Wave neoyorquina. Me imagino que dependiendo de los gustos de la persona que escriba sobre ellos se pondrá el acento en uno de los vértices en particular. Personalmente, pienso que no es necesario descartar ninguna de las tres referencias, puesto que es en esa tensión en donde podemos localizar el fascinante dinamismo de sus canciones. Así, creo que es fácil comprobar cómo su interpretación del punk está en un territorio entre el artpunk, la nowave existencialista y el impulso antisocial del punk primigenio o, como veremos, primitivista.

Comenzando por la veta gótico romántica, la analogía la podemos encontrar en la apuesta por el mito del hombre torturado, de sexualidad descarnada, pasión mórbida por los arranques violentos y una cierta sofisticación en el vestir (este último punto sería cada vez más importante en la carrera posterior de Nick Cave, como es fácil comprobar viendo fotografías de sus diferentes etapas). Pero hay algo que permite distanciar a la banda de Nick Cave de los oscuros románticos que comenzaban por aquel entonces a definir su identidad como subcultura; Birthday Party eran mucho más ardientes e infernales. En cualquier caso, se puede argumentar que su acercamiento al gótico es coyuntural, y el propio Nick Cave rechazó en su momento el papel de padrino de las hordas oscuras, posiblemente como consecuencia de la etapa que el grupo pasó en Londres y que coincidió justo con el momento en que las acciones de la estética gótica estaban al alza. Tampoco se les puede acusar de escapistas -como si podemos hacer con el movimiento gótico en general, aunque aquí estoy generalizando, ¡claro!- si tenemos en cuenta la posterior atracción mutua que establecieron con Einsturzende Neubauten. Finalmente, también hay que señalar en este apartado su creciente admiración hacia el gótico sureño estadounidense, mucho más marcada que su supuesta adscripción a la estética gótica británica. Pero, ya digo, hay que andarse con mucho cuidado para etiquetarlos como grupo gótico y no resbalar en el intento. O igual es que este es el aspecto que menos me motiva de ellos.

Por otra parte, es curioso enterarse de que Birthday Party eran amiguetes de los Go-Betweens. A estas alturas ya sabréis de sobra el cariño que le tengo a la banda de Robert Forster y Grant McLennan, y uno tiene muy presente que salieron del mismo caldo de cultivo que la banda de Nick Cave, algo que se ve muy bien en los primeros, oscuros y angulosos discos de la banda de Brisbane. Las conexiones entre ambas bandas son numerosas, destacando la formación de un supergrupo compuesto de miembros de ambas bandas, de nombre Tuff Monks, y que editó un single, “After the Fireworks”, en el que escenificaban el encontronazo y los puntos en común de ambos sonidos. Cuenta además la leyenda que los Go-Betweens entraron a grabar dos canciones (“Hammer the Hammer” y “By Chance”) aprovechando horas de estudio pagadas por el sello para Birthday Party pero que la banda de Nick Cave no usó por incomparecencia. En el fanzine Fast Forward Robert Forster revelaba que consideraba a los Birthday Party una banda muy cercana a The Go-Betweens. Incluso Mick Harvey estuvo a punto de producir el primer disco de la banda del fallecido Grant McLennan (y de hecho colaboró en el primer disco de Robert Forster en solitario, por ejemplo). Todos estos datos son especialmente reveladores en el caso de Birthday Party, porque es muy entretenido pararse a pensar qué canciones de las primeras que publicaron Go-Betweens podrían haber terminado, con un enfoque diferente, en el repertorio de Birthday Party, y viceversa.

Concierto de Grande-Marlaska + Chiquita y Chatarra.

2008-01-06T13:42:00.001+01:00

El pasado jueves tocaron Grande-Marlaska y Chiquita y Chatarra en la sala Savoy de Gijón. De los primeros ya he dicho muchas cosas buenas, pero como nunca me cansaré de decirlas, diré que su directo a día de hoy es un triunfo rotundo. Es difícil explicar por qué me parece que los Grande-Marlaska del 2008 son mejores, porque siempre han tenido un directo de lujo, pero lo cierto es que esta vez les he visto mejor engrasados que nunca, y eso que era el primer concierto suyo en seis meses. Para mí está claro que en directo Roberto toca / ataca la acústica, Malela el bajo y Pepo la batería justo como a mí me gusta, como yo quiero que sea el pop, y por eso precisamente puedo decir con toda seguridad que este es mi grupo nacional favorito. Lástima de algún que otro problemilla con el sonido de la sala que no nos dejó disfrutar de las voces de Roberto y Malela en su plenitud, o de la melódica de esta última, una incidencia que no impidió en absoluto que comprobásemos que las canciones de El momento de hacer multiplican su impacto en directo. No os perdáis sus próximos conciertos (ver fechas en su myspace)

Por su parte, por fin me toca hablar por aquí de Chiquita y Chatarra, el mejor grupo asturiano del momento gracias a un directo en el que dominan los mecanismos de la tensión y en el que demuestran una y otra vez lo bien que han asimilado la escucha de los discos de ESG o Slits. Han llegado a un momento en el que tienen un directo de una concisión y una energía modélicas. Por cierto, Patri de Chiquita y Chatarra es también la diseñadora del precioso cartel del concierto, que podéis ver al comienzo de esta entrada.

Las fotos son de Pablo /yosoybrian, quien ha reactivado su blog sin emoción, algo de lo que me alegro. La temporada de conciertos ha empezado realmente bien en Gijón este año.

Rockdelux 2007

2008-01-04T14:58:00.000+01:00

A falta de que la revista llegue a los puestos de venta asturianos (¿qué coño pasa con la distribución de esta revista, que siempre llega unos días tarde a las "provincias"?!) ya se pueden encontrar por múltiples foros los top 10 nacional e internacional de la RDL. Como sus listas siempre son las que abren más debates, aquí van mis comentarios:

INTERNACIONAL
1. Panda Bear/Animal Collective
3. Burial
4. PJ Harvey
5. Iron and Wine
6. Vic Chesnutt
7. MIA
8. Bright Eyes
9. Rickie Lee Jones
10. Calle 13

NACIONAL
1- Los Planetas - La leyenda del espacio
2- Lisabö - Ezlekuak
3-El Guincho - Alegranza
4- Mala Rodriguez - Malamarismo
5- Fernando Alfaro y los Alienistas - Carnevision
6- Hidrogenesse - Amimalitos
7- Refree - Els invertebrats
8- La Casa Azul - La revolucion sexual
9- Trianguo de Amor Bizarro - TAB
10 - Travolta - El efecto Amor

Pues esto es lo que me mola:
- Que cuatro de sus diez discos favoritos del año en la sección internacional y dos de la sección nacional también aparezcan en mi top 10. Son los que aparecen en negrita.
- La inclusión de tres discos que no escuché en su momento, pero que tenía muchas ganas de escuchar, y ahora muchísimas más. Me refiero a los discos de Vic Chesnutt, Iron and Wine y Rickie Lee Jones. El de esta última supongo que me va a entrar especialmente bien teniendo en cuenta que estos días no paro de escuchar su Pirates que he encontrado en vinilo por cuatro euros de nada (teníais que haber visto la cara de felicidad que se me quedó cuando lo encontré en una tienda de segunda mano en Gijón). Y con el disco de Iron and Wine ya llevo varios días bien contento.
- Que no estén entre los diez primeros ni LCD Soundsystem, ni Radiohead, ni Arcade Fire.
- ¡Ese cuarto puesto para PJ Harvey! Cuando destaqué su disco entre mis favoritos del 2007 me quejaba de lo poco que estaba saliendo en las listas. Este cuarto puesto me obliga a mantener la confianza en la revista.
- ¡Ese décimo puesto para Calle 13! Aunque yo creo que debería estar un poquito más arriba. Hablando de Calle 13, ayer en un periódico local seleccionaban su disco entre los mejores del año, pero con un argumento muy resbaladizo, cito textualmente; "Este dúo portorriqueño destaca por haber conducido un género populista y lleno de morralla como el reggaeton hacia terrenos más hip hop y alternativos" Señores y señoras, yo quiero dejar claro que a mí el disco de Calle 13 me gusta porque demuestra que el reggaeton NO es "un género populista y lleno de morralla". Lo de justificar el disco por su acercamiento al hip hop es buscar un subterfugio para justificar que te gusta un disco de reggaetón. Y lo de utilizar el término "populista" para referirse a cualquier tipo de música bordea el clasismo.
-Por aquí todavía no he hablado de él, pero el amigo Héctor sí que lo ha hecho en los comentarios a la entrada de mi lista del 2007; el disco de El Guincho es una maravilla, y ese tercer puesto es toda una agradable sorpresa, teniendo en cuenta lo tardío de su publicación.

Y esto es lo que no me mola:
-Ese número uno compartido entre Animal Collective y Panda Bear. No porque no me gusten los discos, pues ya sabéis que me gustaron los dos, sino porque el de Panda Bear me parece bastante mejor que el de Animal Collective, y por tanto debería liderar la lista en solitario. Así me queda el número uno un poquito cojo.
- Las ausencias. La del que algunos días pienso que es mi disco favorito internacional (el Comicopera de Robert Wyatt) y la del que obviamente es mi disco favorito nacional (El momento de hacer, de Grande-Marlaska. Y más aún después de ver su estupendo directo de ayer en Gijón. Más información al respecto en cuanto me lleguen las fotos del evento) de sus respectivos top 10.
- Bright Eyes. Lo siento de verdad, pero nunca he podido conectar con su música.
- Me temo que me sobra medio top 10 nacional. Y el disco de Los Planetas me parece tan espeso y aburrido como el Dark Side of the Moon de Pink Floyd, sintiéndolo mucho, que sé que hay más de un fan de Los Planetas entre los lectores del blog, y os quiero de todos modos.
- Que, como me dijo el amigo yosoybrian ayer, no se hayan dado cuenta de la oportunidad de dar el número uno a un disco autoeditado en el territorio nacional. Además, con todo lo que se ha hablado de Radiohead en el 2007, es una auténtica vergüenza que nadie se haya parado a celebrar la edición de dos discos tan buenos como el de Lisabö y el de Grande-Marlaska mediante una licencia Creative Commons. (Sí, ya lo sé que yo tampoco lo he hecho, pero tengo planeado remediarlo en un futuro muy próximo)

La originalidad de las escenas musicales

2008-01-03T14:16:00.000+01:00

Un artículo muy atinado, interesante y entretenido el que ha escrito ahnn a partir del concepto de scenius de Brian Eno (sampleo la cita de la entrada de ahnn:“Scenius stands for the intelligence and the intuition of a whole cultural scene. It is the communal form of the concept of the genius” ) que he leído en un momento muy oportuno; tan solo unos días después de haber tenido una conversación con dos habituales de este blog –pero sobre todo buenos amigos- acerca de cosas tan ligeras para una noche de sábado como la originalidad o las diferencias entre música blanca y negra (eterno y a veces diría que incluso inagotable –interminable- debate este último, lo sé, y por eso mejor dejarlo para otra ocasión). Creo que es necesario señalar que estos temas salieron cuando nuestros organismos estaban ya consistentemente intoxicados de vino, aspecto que es necesario apuntar porque posiblemente fue esa la causa de que el debate fuese tan vivo y suelto, no se vayan a pensar que vamos hablando de estas cosas por los bares de Gijón. Por supuesto, no llegamos a ninguna conclusión, cada uno defendió su postura con uñas y dientes y después pedimos otra ronda.

Pero a lo que iba, en el artículo de ahnn y en la conversación a la que me acabo de referir surgió el valor de la creatividad comunitaria, anónima, incluso de la disolución de la individualidad en contra de ese concepto de genio artístico cuyo origen datamos en el romanticismo. Personalmente encuentro en ese mito del genio con nombre y apellido un problema; que suele actuar como árbol que impide ver el bosque del que supuestamente funciona como máximo exponente de la perfección que puede alcanzar una forma artística. Un ejemplo práctico sería el del jungle. Según va pasando el tiempo, se tiene cada vez más la sensación de que los discos de A Guy Called Gerald, Goldie o 4Hero son todo lo que uno necesita escuchar para entender el género, y aún reconociendo que los discos que acabo de mencionar son obras maestras difíciles de cuestionar, no es menos cierto que la insistencia en fijarse en esos discos en particular ha terminado por eclipsar otros nombres como los de Omni Trio, Foul Play, LTJ Bukem y un afortunadamente largo etcétera que dentro de esta manera de ver las cosas quedan reducidos a ser pie de página, cuando en el momento de ebullición del jungle fueron tan esenciales unos como otros, formando parte de una mecha entrelazada a la que entre todos iban aportando chispas de genio que cimentaron esa explosión que significaron los discos que hoy recordamos como cumbres del género.

Por intentar añadir un poco más de luz a la pregunta que se hace ahnn sobre cuándo un género deja de estar en ebullición para convertirse en una opción más, es decir, con los parámetros excesivamente bien definidos y convertidos en una fórmula –o en un producto comercial, si queréis llamarlo así-, yo diría que, al menos en el caso de géneros que dependen de una escena de clubes y emisoras pirata para desarrollar su creatividad, ese difícil y controvertido momento habría que identificarlo con el punto en el que la música deja de tener al fin de semana como fin, y comienza a desarrollar planteamientos musicales que permitan que la música pase de los mencionados espacios y tiempos a las emisoras mainstream o a la prensa musical no especializada en un género en concreto. El drum'n'bass es un buen ejemplo, y así el New Forms de Roni Size y Reprazent fue celebrado precisamente por escapar a su función primordial, que es la de sonar en un club o en una emisora de radio pirata, para convertirse en una música que se podía escuchar en casa sin perderse demasiado de la experiencia. Detrás de esta forma de ver las cosas se tiene la idea de que un disco es artísticamente “superior “cuando renuncia a ser “solo entretenimiento”. El ejemplo del disco de debut de Roni Size y Reprazent es muy ilustrativo si tenemos en cuenta que fue vendido como el acercamiento al jazz por parte del drum’n’bass.

En otra cosa que acabo de escribir comento cómo el libro de Greil Marcus, Lipstick Traces, sirvió para que un público reacio al punk aceptase su validez artística al aparecer en el mismo marco que las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, y apostillo que al punk no le hacía falta ese marco para rubricar su validez, por mucho que sea una gozada leer el libro de Marcus y uno esté de acuerdo con la mayor parte de sus argumentos y analogías. Desconozco si la intención de Marcus era la de legitimar al punk de cara al público de la denominada Alta Cultura, pero este uso que se le dio al libro es lo único reprochable de un texto que, afortunadamente, resiste ese pero. También afortunadamente el disco de Roni Size resiste las aspiraciones de respetabilidad por parte de la intelligentsia a las que una música aspira cuando vuelve su mirada a las formas del jazz. En el caso del New Forms, eso sí, se puede reprochar a Roni Size y su gente el que jugasen a atender a un público serio al reclutar a un batería y un contrabajista "reales" para el disco. En este caso sospecho que el acercamiento al jazz se debe más que nada a un ansia de ser reconocido por las élites culturales más que un hibrido que responda a cuestiones sociales o históricas como las que se puede argumentar que contribuyeron a que discos como el Maxinquaye de Tricky sean como son.

Otro ejemplo; en el dubstep ya sabemos que se insiste mucho en la imposibilidad de percibir el impacto total del género hasta que se escucha a través del potente equipo musical de un club. En el dubstep, la figura que representa un supuesto crecimiento artístico, asociado con la posibilidad de escuchar el disco en casa sin problemas, sería Burial, quien no se acercaría al jazz sino a la música concreta.

Quiero señalar también que el valor del momento de ebullición de una escena es que ésta funciona entonces como una auténtica y sólida comunidad igualitaria. Soy consciente de que esto suena utópico, pero a nadie debería escapar que géneros como el jungle, el 2step, el grime o ahora el bassline significan para sus creadores y el núcleo duro de seguidores (los clubbers o los oyentes de emisoras como Rinse FM); una promesa de libertad a través del hedonismo del fin de semana. En la conversación que tuvimos el pasado fin de semana, si llegamos a una conclusión fue que para que nos guste un tipo de música no es necesario que existan nombres propios que la sustenten. Con esto nos referíamos a que el concepto de originalidad está sobredimensionado en nuestra cultura occidental blanca. ¿”Copió” Timbaland a los "genios" Prince y Michael Jackson en el disco Futuresex/ Lovesounds de Justin Timberlake o animó con sus aportaciones una tradición de funky-disco-pop negro totalmente reivindicable?

Es una prueba de la fortaleza del bassline house el hecho de que ninguna de sus figuras sea realmente imprescindible, ni siquiera la de T2, hasta el momento su personaje más visible. Mientras tanto, el reggaetón, al menos el que nos llega a España o al que prestamos atención, será tanto más frágil cuanto más dependa de Tego Calderón y Calle 13, dos nombres que, no es casualidad, han firmado discos que escapan en buena parte al patrón rítmico del reggaetón, una apertura estilística que para mucha gente es sinónimo de crecimiento artístico, aunque de nuevo podríamos hablar de acercamiento a una música respetada como es el hip hop –sí, el hip hop ya está empezando a tener un estatus cultural respetable, no me digan que no- para ayudar a que algunos transijan con el ritmo del reggaeton .

Más ejemplos; a pesar del valor capital que tiene Bob Marley para el reggae, pero sobre todo para la música afroamericana y occidental en general, hay que recordar que sus discos siguieron un camino diferente al que siguió la música jamaicana en los setenta, una música que, al ver que su máxima estrella daba la espalda a las evoluciones de la música de la isla caribeña y se dedicaba a atender las demandas de un público internacional, poco menos que ni se inmutó, como prueba la apabullante creatividad comunitaria del roots y el dub en los setenta. Con todo lo buenos que son los discos de Bob Marley, existen numerosas recopilaciones de rarezas roots o dub tanto o más interesantes que Exodus.

No quiero decir con esto que haya que rechazar necesariamente el concepto de genio y volver a una idea pre-romanticista del asunto, pero no está de más andarse con cuidado no vaya a ser, por ejemplo, que nos perdamos a Durrty Goodz por pensar que Dizzee Rascal ya ha llegado todo lo lejos a lo que se puede llegar en el grime. Lo que creo que queda claro es que no hay un único patrón que nos sirva para medir en su justa medida a todas las músicas, es todo más complejo y al menos a mí me resulta mucho más interesante fijarme en los detalles que conformarme con una idea general.

2007-12-31T11:22:00.000+01:00

¡FELIZ 2008!

Los albores del 2step 2

2007-12-29T12:25:00.000+01:00

Quiero recomendaros esta página en la que hay montones de artículos interesantes sobre el UK Garage, con artículos firmados por Kodwo Eshun o Martin Clark, y entrevistas a Dizzee Rascal, Horsepower Productions o EL-B (estos dos últimos padrinos reconocidos del dubstep). La lectura es ideal para un día como hoy, en el que al menos en Gijón el cielo amenaza lluvia.

Y aprovechando la recomendación, o más bien para ilustrarla musicalmente, voy a seguir con este improvisado repaso navideño a clásicos de la música urbana británica.

La primear canción es el "Battle" de Wookie, que en sus momento fue recibida con tanto júbilo como el "Archangel" de Burial este año. Una combinación perfecta de sintes sobre hielo y voz espiritual tan emocionante como el tema de Burial:

La otra canción puede ser considerada un punto sin retorno, el momento en que muchos productores pioneros del género (Zed Bias, por ejemplo, tal y como leemos en la entrevista que le hizo Kodwo Eshun) vieron la luz.

Los albores del 2step

2007-12-26T19:45:00.000+01:00

Me entero de que Simon Reynolds denominó adult hardcore (!?) a lo que hoy conocemos como UK Garage y / o 2step. En fin, como dirían Daft Punk, todos somos humanos al fin y al cabo, y todos cometemos errores. Aquí podéis leer el artículo en cuestión, que por lo demás es algo así como uno de los clásicos del crítico inglés. Lo más curioso del caso es que yo ya conocía el artículo, que aparece en la colección de artículos de Simon Reynolds titulada Bring the Noise, pero en esta ocasión el título ha cambiado a "Feminine Pressure", que es mucho más acertado porque es por ese concepto por lo que el artículo es más recordado.

Nada mejor para recuperarse de una propuesta de etiqueta tan fea -que afortunadamente no prosperó- que rescatar el que posiblemente sea el primer clásico del UK Garage, "Sincere" de MJ Cole. Esto es de 1998... ¡como pasa el tiempo!

Y uno de los mejores temas de la época dorada del 2step, el "Re-Rewind" de Artful Dodger, con Craig David como cantante, mucho antes de que su carrera se fuese al garete (aquí estamos en 1999):

Una de influencias

2007-12-26T17:54:00.000+01:00

Por si hay alguien a quien le parezca descabellado que en este blog se hable de un grupo de post-punk old school un día, y de bassline o grime al siguiente, a continuación comento tres citas sobre referencias e influencias que me han llamado la atención estos días. La primera la encontré en el artículo que Simon Reynolds publicó sobre el jungle en el número de septiembre del 94 de la revista Wire. En dicho artículo explica que del hardcore inicial surgieron dos vertientes; el darkcore y el drum ‘n’ bass. Del primero dice que “al sintonizar las emisoras piratas, te asombra encontrar temas que suenan misteriosamente como el Metal Box de PiL, 23 Skidoo, o los primeros Cabaret Voltaire.” En cuanto al drum’n’bass, dice que "su escalonada percusión y su enfoque del ritmo como melodía llevó las ideas del HipHop y el dub hacia el siglo 21”. Se podría argumentar que la conexión entre post-punk y el jungle está forzada, aunque estéticamente existan similitudes interesantes, pero yo estoy de acuerdo en que si uno quiere encontrar en la música de los últimos quince años algo parecido en vitalidad y excitación a lo que ocurrió en el Reino Unido en el período denominado post-punk, uno tiene que acercarse al jungle, al drum’n’bass, al 2step, al grime, al dubstep, al bassline… y al terreno delimitado por Timbaland ya sea en el hip hop, en el R'n'B o, directamente, en el pop mainstream a través de una concepción del ritmo como melodía de la que todavía no me he cansado.

La segunda cita tiene que ver con los protagonistas de la anterior entrada. Como sigo inmerso en la recuperación de todo lo que tenga que ver con Massive Attack, he estado releyendo entrevistas con ellos, y me he encontrado con que Daddy G le dijo a Jesus Llorente en la entrevista publicada en el número 150 del Rockdelux que los discos que más escucharon los miembros de la banda de Bristol durante la grabación de Mezzanine fueron el Entertainment! de Gang of Four, el Chairs Missing de Wire, y cosas como The Pop Group, The Raincoats y The Slits (por otra parte, discos que parecen reflejar muy bien la tan comentada tensión entre los miembros de la banda durante la grabación de ese disco). De hecho, yo siempre he pensado que The Pop Group son una pieza básica para entender mucho de lo bueno que ocurrió después en Bristol. La misma saludable falta de prejuicios a la hora de juntar géneros musicales la encontramos en el grupo de Mark Stewart, en las sesiones del colectivo Wild Bunch y, ya de una manera mucho más estilizada, en los discos de Massive Attack o Tricky. Finalmente, la tercera cita tiene que ver de nuevo con Massive Attack, uno de cuyos miembros -3D- comentaba, en la entrevista que les hizo Ian Penman para el número 127 de la Wire, a qué tipo de conciertos iba cuando era un jovenzuelo en Bristol: “Recuerdo ir a ver a Stiff Little Fingers, The Clash, UK Subs, Dead Kennedys –tremendo concierto el de los Dead Kennedys, ese es uno de los mejores que he visto. Y Bad Brains… ¿Te acuerdas de los Bad Brains?”

Sí, 3D, nos acordamos de ellos!!!

En fin, yo no sé si realmente es necesario hacer un orden del caos, pero creo que al menos se entrevé una línea de evolución musical en los anteriores párrafos, que es precisamente una de las que a mí más me interesan, si no es, directamente, la que más.

Wild Bunch, Bristol, graffitis...

2007-12-23T20:35:00.000+01:00

Poquito a poco parece que nos vamos recuperando del hecho de que el sonido de Bristol terminase como música de anuncios o, no sé qué es peor, de cafeterías gentrificadas. Últimamente estoy escuchando más y más música de los albores de lo que llegaría a ser el trip-hop, e incluso estoy recuperando con bastantes ganas los cuatro discos publicados hasta el momento por Massive Attack (más el suculento complemento que es el No Protection, es decir, el Protection sumergido en dub gracias a la ingenieria sonora de Mad Professor). Esa época ha sido descrita bastante bien en un espléndido artículo sobre Smith & Mighty -ya sabéis, los grandes perdedores, en cuanto a popularidad, en esto del trip-hop- y el colectivo Wild Bunch que apareció en el número de Octubre de la revista Wire. Este artículo, por cierto, es un adelanto de un libro titulado Exploring the Networked Worlds of Popular Music: Milieu Cultures , que tiene un precio desgraciadamente prohibitivo. Buscando cosas sobre todo esto por internet, he encontrado en flickr estos dos graffitis de 3D (Robert -Wild Bunch/Massive Attack- DelNaja) que me han gustado lo suficiente como para hacer una entrada explicando este renovado interés mío por el Bristol de los ochenta. Por cierto, no se pierdan la colección de fotos sobre graffitis en Bristol de la cual han sido extraídas estas dos, porque realmente merece la pena.

Y también he encontrado este vídeo, que es pura canela en rama. Se trata de un fragmento de un documental producido por el Channel 4 y emitido en algún momento a mediados de los ochenta. Aquí vemos al graffitero estadounidense Brim charlando nada menos que con Goldie años antes de que éste revolucionase la música británica y al propio 3D dando su opinión sobre su implicación en el mundo del graffiti. Me encantaría poder decir que tengo el documental al completo, de título Bombin', pero no es así, así que cualquier ayuda para encontrarlo será bienvenida!!!

Bassline house!!!

2007-12-20T19:26:00.001+01:00

Tenía que pasar, me he vuelto adicto al bassline.

Aquí va un link a un texto sobre el tema escrito por Mark Fisher

Y aquí una guía del género -de expresivo título: "¡A punto de explotar"- publicada en la revista RWD.

Y aquí van unos cuantos temas del género que muchos conocimos gracias a aquel "Heartbroken" de T2 feat. Jodie que tanto pareció gustar entre algunos habituales a este blog, y que por cierto estuvo durante un par de semanas en el número dos de la lista de singles británica, marcando el regreso del underground urbano a las listas de éxitos, después que el grime y el dubstep no consiguiesen el rotundo éxito (Dizzee Rascal aparte. Burial de momento se tiene que contentar con un rotundo éxito de crítica, por ejemplo) que se esperaba de ellos. De hecho, el propio Mark Fisher señala como uno de los aspectos más interesantes del bassline el hecho de que mientras que el grime y el dubstep eran en cierto modo callejones sin salida estilísticos, el bassline recupera la existencia de una rama del underground urbano británico en el mainstream. Por cierto, los temas están sacados de la lista de canciones favoritas del 2007 de Simon Reynolds. ¿qué pasará con el bassline en el 2008? ¡Qué emoción!

TS7 --- "Smile"

T2 Vs J-Holiday --- "Bed Remix"

Standard Procedurez / Mr V --- "Hey Remix"

Addictive feat T2 --- "Gonna Be Mine"

Hoy me ha llegado este libro:

2007-12-20T19:01:00.000+01:00

Hoy por fin me ha llegado este libro, titulado Dub: Soundscapes and Shattered Songs in Jamaican Reggae, escrito por Michael E. Veal y, por lo que llevo leído de momento tiene una pinta más que estupenda. Pienso pasarme los próximos días sumergido en sus páginas y escuchando dub, por supuesto. Ahí va una cita que da en el clavo de la riqueza del dub, y de paso define como el ochenta por ciento de la música que me gusta entre los ingredientes que conforman el dub:

En distintos momentos, el dub parece transmitir la cualidad estereotípicamente optimista y melodiosa de gran parte de la música caribeña, la disposición a la improvisación del jazz, la ensoñación contemplativa del pop psicodélico, el trasfondo siniestro de la insurgencia negra, y los paisajes sonoros futuristas de la música electrónica experimental y la ciencia ficción.

Cuando termine con el libro, os cuento qué tal, aunque creo que ya puedo deciros con bastante seguridad que merece la pena comprarlo. (De momento solamente está editado en inglés).

The Wire 2007

2007-12-20T17:19:00.000+01:00

Segurmente ya habréis visto esta lista de la revista Wire, pero no me resisto a ponerla, aunque solo sea su top 10 y aunque solo sea para recordaros que estoy vivo, jeje. Está bastante bien , pongo en negrita las coincidencias con la mía. Yo no puse mi lista en orden, pero el top tres de Wire está formado por discos que yo también destaqué, y es de hecho un top tres que yo firmaría encantado en ese mismo orden:

1. Robert Wyatt Comicopera
2. Burial Untrue
3. Panda Bear Person Pitch
4. OM Pilgrimage
5. LCD Soundsystem Sound of Silver
6. Von Südenfed Tromatic Reflexxxions
7. Pram The Moving Frontier
8. MIA Kala
9. Battles Mirrored
10. Ricardo Villalobos Fabric 36

Y tampoco puedo resistirme a señalar que el número once es para el disco de Grinderman!!! :D

Documental sobre Harry Partch

2007-12-16T12:22:00.000+01:00

Acabo de ver este estupendo y fascinante documental sobre la vida y obra del compositor, defensor del sistema microtonal e inventor de instrumentos Harry Partch. Si os da un poco de miedo su música, también podéis ver el documental como otra historia más sobre un estadounidense solitario y marginal, es decir, que Harry Partch es otro ejemplar más de héroe estadounidense tal y como fue definido por poetas arquetípicamente norteamericanos como Walt Whitman, Ralph Waldo Emerson o Henry David Thoreau. Eso sí, no le tengáis miedo a su música, tal y como dice Philip Glass en este documental de la BBC, después del primer impacto te empiezas a acostumbrar, y su música termina resultando hipnótica y alucinante. Además, tal y como podéis leer en el link a la página de wikipedia sobre el sistema microtonal que he puesto al principio de este párrafo, Black Flag aplicaron ideas microtonales en las canciones "Damaged II" y "Police Story", ambas incluídas en su disco Damaged. En cualquier caso a Partch hay que conocerlo, es de esas personalidades musicales que, te gusten o no, cambian tu forma de entender la música.

Perfecto para una tarde de domingo.

¡Ah!, y si después de ver el documental os entran ganas de tocar alguno de sus instrumentos, podéis hacerlo -virtualmente, claro- en este link. Yo me acabo de pasar un rato muy entretenido manoseando el instrumento que aparece en la foto.

Primera parte

Segunda parte

Tercera parte

Cuarta parte

Quinta parte

Sexta parte

El vicio del dubstep

2007-12-15T12:13:00.000+01:00

Dice Mark Fisher en el artículo que ya enlacé en la entrada de ayer que

El vicio del género es su tendencia al malhumor ceñudo y al retraimiento incomunicativo.

Estoy de acuerdo con él, aunque este vicio no es exclusivo del dubstep. Este argumento es uno de los principales motivos que me impiden disfrutar de Radiohead, por ejemplo. En cualquier caso es destacable que la cuestión del género salga con frecuencia en las críticas y comentarios acerca del dubstep. Esto es lo que dice Burial en la entrevista que sale en el número de diciembre de Wire (entrevista que podéis leer aquí, por cierto)

Me gusta bajar el tono de las voces femeninas de modo que suenen masculinas, y subir el tono de las masculinas para que suenen como una chica cantando. Puede sonar sexy de la hostia.

Yo lo veo claro; la capacidad del dubstep para articular en sonidos estos matices de representación de género es uno de sus grandes triunfos.

Por otra parte, en el artículo que mencionaba al comienzo de esta entrada cuenta Mark Fisher que en una sesión de Kode9 y Spaceape estos empezaron con una versión del "Ghost Town" de mis adorados Specials. Desconozco si algún otro ejemplar dubstep ha intentando meterle mano antes al clásico de la banda inglesa, pero tiene toda la lógica del mundo: el sonido del viento, los aires orientales, el humo jamaicano, la ralentización, la alienación urbana, un toque de realismo social... todos estos elementos son comunes al dubstep y a la canción "Ghost Town". Comprobadlo vosotros mismos. Cualquier excusa es buena para escuchar una canción tan enorme:

Box of Dub en Ladinamo26

2007-12-14T09:33:00.000+01:00

Mi contribución al número 26 de Ladinamo es este texto sobre el primer volumen del recopilatorio de Soul Jazz titulado Box of Dub (Recordad, en mi lista de lo mejor del 2007). Por lo demás, les ha salido otro número muy sustancioso, incluyendo una entrevista a Tego Calderón (otro con disco en mi lista), un artículo sobre el hip hop político, etc. ¡Ah! Nótese que el artículo fue escrito antes de la publicación del segundo disco de Burial, de ahí que me refiera a la canción "Untrue" como una confirmación del debut del misterioso londinense. Y otra cosa más, de haberlo escrito más tarde, probablemente habría añadido alguna referencia a lo controvertido de este lanzamiento. Hubo quien criticó que el título de la recopilación privilegiase la palabra Dub, o que Soul Jazz intentase vendernos una justificación personal del dubstep como un dub futurista (y los de The Wire parecen querer vendernos el término metadub, por cierto). En cualquier caso, al menos dos temas incluídos aquí (El "Sub Island" de Skream y el "Unite" de Burial) son ya pequeños clásicos del dubstep, y por eso incluí esta referencia entre mis favoritas del 2007. En cuanto a lo de la mayor presencia de voces en este disco de lo que es habitual en el dubstep, bueno, ahora ya conocemos el disco de Pinch, que trae una versión instrumental y otra vocal, y el segundo disco de Burial tiene muchas más voces que el primero. Aunque entre Pinch y Burial hay una gran diferencia en cuanto a las tácticas para emplear las voces. No podría entender mi 2007 ni explicarlo sin la presencia del dubstep.

Este recopilatorio es una buena puerta de entrada al dubstep. Pero, además, es una adquisición imprescindible para el coleccionista de dicho género, pues Soul Jazz ha encargado temas inéditos a cada uno de los participantes en la recopilación. Eso sí, conviene recordar que existen otras colecciones más exhaustivas para seguir la evolución del dubstep al detalle, como las series Skreamizm o Dubstep Allstars.

Construido alrededor de las estrategias sonoras propias del dub y de la invocación de cualquier tipo de música en cuya producción haya tenido un peso específico la población británica de extracción afrocaribeña, en el dubstep hay ecos del 2step o del jungle, a menudo separados de su contexto original para terminar configurando el mapa sonoro definitivo de las grandes urbes británicas. No en vano el blogger K-punk definió a Burial como uno de los pocos artistas capaces de proporcionar una ficción sonora para nuestros tiempos carentes de mitologías.

Box of Dub sirve, además, para rastrear el amplio abanico de referencias de este sonido proveniente del sur de Londres. Es relevante, en este sentido, la colaboración de Paul St. Hilaire (antes Tikiman) en las dos aportaciones de Sub Version. Su presencia vocal evidencia la afición por el sello Basic Channel y, por supuesto, por los grandes vocalistas jamaicanos, a pesar de que el dubstep es en la mayor parte de los casos instrumental o limita la presencia vocal a samplers que parecen sacados de éxitos ocultos del 2Step.

Tayo Meets Acid Rockers Uptown realizan el acercamiento más directo a Jamaica dentro de un disco especialmente imbuido de los sonidos que emanan de la isla caribeña, mientras que en “Sub Island”, Skream despliega una rítmica más acelerada de lo que es habitual en este tipo de discos, con el acompañamiento de un piano fantasmagórico. También aparecen aquí representados aquellos que se escurren fácilmente de la etiqueta dubstep, pero cuya presencia es imprescindible. Este sería el caso del ya mencionado Skream, o de Burial, cuyo espléndido “Unite” confirma las excelencias de su disco de debut. Kode9 también reafirma su posición con una canción, “Magnetic City”, que cuenta con samplers vocales difuminados y apenas audibles y la siempre subyugante y muy jamaicana presencia de la melódica. Todos ellos prueban que el dubstep es, hoy por hoy, un sonido en plena ebullición capaz de derivar en tantas variantes como sus artífices deseen. Es especialmente recomendable la adquisición de esta referencia en triple vinilo, con dos temas por cara, de modo que el prensado de los discos sea de alta calidad y permita recibir el impacto sensorial en toda su magnitud.

50 artefactos sonoros que despertaron mi interés, incluso mi entusiasmo, en el 2007

2007-12-11T19:44:00.000+01:00

Al final me han salido 50 e incluso se han quedado fuera algunos, pero esto es una lista de practicamente todo lo que me ha gustado en el 2007, sin distinguir entre LPs, Eps, recopilaciones de material inédito, mixtapes o canciones (estas últimas aparecen entre comillas). Ni he escuchado todo lo que debería ni todo lo que quería, así que si notáis alguna ausencia se debe a eso. En otros casos hay discos que se han quedado fuera porque no me han gustado, si descubrís algún caso de este tipo, no os cabreéis y recordad que esta es MÍ lista. Destaco diez referencias como las que más me han gustado del año. Me he dado cuenta al hacerla de la poca atención que he prestado al hip hop o al reggae (este último caso es especialmente grave, con la cantidad de reediciones que he escuchado), eso habrá que solucionarlo para el próximo año. Iba a subir esta lista la próxima semana pero ya he visto suficientes listas de otras revistas y blogs y no quiero caer en el riesgo de meter a última hora el típico disco que todos mencionan pero que yo he escuchado solamente una vez o dos a en el último momento. Eso sí, no busquéis por aquí el que parece ser el triunfador de momento, el Sound of Silver de LCD Soundsystem, que ya dije en su momento que no me da más.

AKRON / FAMILY - Love is Simple

ANGELS OF LIGHT - We Are Him

ANIMAL COLLECTIVE - Strawberry Jam

ANTICONCEPTIVAS - Arte

ARCTIC MONKEYS - Your Favourite Worst Nightmare

BAT FOR LASHES - Fur And Gold

BILL CALLAHAN - Woke on a Whaleheart

BLACK MOTH SUPER RAINBOW - Dandelion Gum
Dandelion Gum es un lametazo psicodélico de los buenos, un auténtico órdago a colocar al lado de nuestros discos de Broadcast, Boards of Canada, The Focus Group y White Noise. Dandelion Gum es, además, una sucesión de canciones pop con mayúsculas . Y eso que abusan un poco de los filtros vocales. Vamos a disolvernos en ácido.

BURIAL - Untrue
Noches, Londres, clubbing, agua, Dub(step), jungle, 2step, UK Garage, feminine pressure, “Archangel”, house (“Raver”), Aaliyah, A Guy Called Gerald, ravers solitarios de vuelta a casa escuchando música en su Ipod, un futuro que imaginamos todos juntos pero que nunca llegó, un futuro que no se sabe muy bien si es utopía o distopia, la corriente underground británica más sólida de los últimos veinte años nos da otra obra maestra.

CALLE 13 - Residente o Visitante
El disco que, junto a “El underdog” de Tego Calderón se ha convertido en la tabla para medir la calidad del resto del reggaetón. Puede que este género no haya dado todo lo que prometía de momento, o puede que las compañías de discos no den salida todavía a discos tan ambiciosos e innovadores como este “Residente o Visitante” que demuestra que también se puede hacer música latina urbana excitante. ¡Y qué singles, qué singles!

COKI / BENGA - "Night"

COLLEEN - Les Ondes Silencieuses

DURRTY GOODZ - Axiom EP

GRANDE-MARLASKA - El momento de hacer
Y el esfuerzo de varios años por fin cristaliza en un pop con actitud punk que ha sabido encajar a la perfección todas las piezas del puzzle formado por las influencias de cada uno de los miembros de la banda. Tienen un sonido que ya es perfectamente reconocible (¡esa guitarra!, ¡ese bajo!, ¡esa batería!, ¡ voces!), han respondido con creces a las expectativas que muchos teníamos puestas en ellos y encima nos han entregado un buen puñado de canciones inolvidables. Hay muchas ganas de verlos en directo.

GRINDERMAN - Grinderman

HIDROGENESSE - Animalitos
Genis y Carlos se autoeditaron–al igual que los otros dos discos nacionales destacados de esta lista- en el sello Austrohungaro un LP en el que jugaron a ser Brian Eno haciendo canciones glam para el Top of the Pops de los años setenta y consiguieron incluso eclipsar la salida del nuevo disco de Astrud. Misteriosos, inquietantes, pegadizos, y artesanales, han llegado a ser vistos como los Sparks nacionales, un lujo. Y con Alfonso Melero (Hello Cuca) a la batería.

JOKER - Kapsize EP

JONSTON - Jonston

KANYE WEST - Graduation

LES SAVY FAV - Let's Stay Friends

LIDIA DAMUNT - Pueblo Fantasmal

LISABÖ - Ezlekuak
El mejor disco de guitarras del año fue hecho y autoeditado –con una licencia Creative Commons, al igual que el de Grande-Marlaska, también entre mis destacados del 2007- en el País Vasco. Dicen que la experiencia de su directo es aún más impactante que la del disco, que de por sí ya es un telaraña de guitarras y potencia bien entendida y matizada de quitarse el sombrero. Gracias a este disco durante este año no echamos de menos tanto a Fugazi. Lo digo en serio.

LOS CARRADINE - Sospechoso tren de vida

LOW - Drums and Guns

MALA - "Forgive"

MIA - "Bamboo Banga"

OM - Pilgrimage

PANDA BEAR - Person Pitch
Ahora que parece que Animal Collective ya no darán más vuelcos sonoros de un disco a otro, aunque sigan sacando estupendas colecciones de canciones, Panda Bear aprovecha y cambia de rumbo por su cuenta para inventarse un nuevo formato de canción profundamente estadounidense a medio camino entre Brian Wilson, la generación beat o el folk lisérgico, con la voz como instrumento principal. Ya sabemos quién es el miembro más interesante de Animal Collective.

PINCH - Underwater Dancehall

PJ HARVEY - White Chalk
Sorprendentemente criticado por carecer de guitarras, cuando en realidad se trata del disco más P.J. Harvey desde Rid of Me, este es un disco hecho destilando a través de las teclas del piano (instrumento que aprendió a tocar para la ocasión) los sombríos paisajes sonoros y emocionales sugeridos por su Devon natal. A ratos tiene un carácter alucinado que permitiría incluirla en el saco de los folkies psicodélicos británicos. Terroríficamente bueno.

RIHANNA FEAT. JAY Z - "Umbrella"

ROBERT WYATT - Comicopera
Un disco que servirá en el futuro de perfecta introducción al universo de Robert Wyatt, pues aquí podemos recordar obras maestras pasadas como Rock Botton o Cuckooland y su etapa de pop de izquierdas en Rough Trade en la última parte del disco, en la que el de Canterbury no canta en inglés como protesta por la intervención inglesa en Irak. En el 2007, Wyatt mantiene intacto su merecido prestigio.

SHACKLETON AND APPLEBLIM - Soundboy Punishment

SHELLAC - Excellent Italian Greyhound

SIX ORGANS OF ADMITTANCE - Shelter From The Ash

SKEPTA - Greatest Hits

SKREAM - Skreamizm 4

STUDIO - Yearbook 1

STARS OF THE LID - ...And Their Refinement of the Decline

T2 - "Heartbroken"

TEGO CALDERON - El abayarde contra-ataca

THE FIELD - From Here We Go Sublime

THE FOCUS GROUP - We Are All Pan's People

THE DILLINGER ESCAPE PLAN - Ire Works

THE GOOD, THE BAD AND THE QUEEN - The Good, The Bad and the Queen
La primera sorpresa del 2007: Damon Albarn sumerge a los Kinks en las pantanosas aguas dub del Támesis y nos ofrece una atractiva, aunque oscura, visión personal del zeitgeist, reclutando para ello a Paul Simonon, Tony Allen, el guitarrista de The Verve (Simon Tong) y Danger Mouse a la producción (este último quizás sea el elemento más prescindible). El líder de Blur no había estado tan inspirado desde Parklife, hace la friolera de 13 años.

THELEMÁTICOS - 7"

TRIM - Soulfood Series Vol 1

VARIOS - Box of Dub

VILLALOBOS - Fabric 36

VON SUDENFED - "Fledermaus Can't Get It"

Aaliyah - - - "One in a Million"

2007-12-11T10:15:00.000+01:00

Ahora que a todos más o menos os gusta el segundo disco de Burial, igual es el momento adecuado para volver la vista atrás y descubrir, si no lo hicisteis en su momento, a Aaliyah. Otro día hablamos de hasta qué punto se puede hablar de influencia de Aaliyah en el underground urbano británico, puede ser interesante.

Karlheinz Stockhausen 1928-2007

2007-12-08T13:25:00.000+01:00

Respect!

Blackdown's 2007

2007-12-05T18:09:00.002+01:00

Blackdown -es decir, Martin Clark- ha publicado en Pitchfork la primera lista de lo mejor del 2007 que me ha parecido lo suficientemente atractiva como para investigar en los nombres que no conozco. Se trata de una lista doble con los mejores lanzamientos de dubstep:

1. Burial: "Archangel" from Untrue
2. Mala: "Forgive" [Deep Medi] / "Miracles" [unreleased] / "Bury Da Bwoy" [DMZ]
3. Pinch [ft. Rudey Lee]: "One Blood" from Underwater Dancehall [Tectonic]
4. Skream: "2D" from Skreamizm 4 EP [Tempa]
5. Peverelist: "Roll With the Punches" [Punch Drunk]
6. The Bug [ft. Flowdan and Killa P]: "Skeng [original and Kode9 remix]" [Hyperdub]
7. Martyn: "Velvet" [3024] /"Broken" [Revolv:R]
8. Appleblim: "Vansan" [Skull Disco] / Soundboy Punishments [Skull Disco]
9. D1: "Mind & Soul" [Tempa]
10. LV: "Takeover (dub)" [Hyperdub]
11. Geiom: "Phlei Nazir" from Island Noise [Berkane Sol]
12. Dysfunktion: "Canton" [Kursed]
13. Quest: "Forever" (Dub Police) /"Stand (Deep Medi dub)"

y de grime:

1. Durrty Goodz: Axiom EP
2. Trim: Soul Food Vol. 1
3. Ny: "Something Real" and "Who Is She?" from Split Endz Vol 2 [True Tiger]
4. Y.D.O.T.: "This Is The Beggining" [free mixtape, download it here]
5. Joker: Kapsize EP [Earwax]
6. Ghetto: "I'm Ghetts" [J.Clarke] /Lewi White [ft Ghetto] "Commandments" [from Freedom of Speech]
7. Skepta: "In a Corner" from Greatest Hits LP [BBK]
8. Ruff Sqwad [ft. Maxwell D]: "I'm From a Place" [Adamantium]
9. Scorcher: "Sandpit" from Leader of the New School [Scorcher]
10. Roll Deep: "Rules & Regulations" [Roll Deep]
11. Calenda: "Forever" [Heavy Artillery]

Me alegra comprobar que mis favoritos de cada escena son los mismos que los suyos. Aquí podéis consultar las dos listas comentadas.

Festival Internacional de cine de Gijón, 2007

2007-12-05T16:58:00.001+01:00

Pues esto es lo que pude ver en la 45 edición del festival de cine de Gijón:

El silencio antes de Bach, Dir. Pere Portabella: Sin ninguna duda, uno de los grandes acontecimientos que tuvieron lugar durante la celebración del festival de cine fue la presentación, en la sección oficial a concurso, de la nueva película del director catalán de culto. El resultado no ha defraudado a quienes sabían algunas claves para descifrar esta película e incluso se llevó el premio especial del jurado, pero decepcionó y aburrió a gran parte del público asistente debido a lo deliberadamente experimental de su planteamiento: una serie de interpretaciones de composiciones de Bach representadas como parte de la vida cotidiana de sus interpretes o del propio Bach. La película va haciendo saltos en el tiempo, del presente a la época de Bach o de Mendelson (quien recuperó la obra del primero tras cincuenta años sin ser representada), en el espacio –de España a Alemania-, en las clases sociales de los intérpretes, etc. La intención, según parece, es articular el discurso de Bach como compositor esencial en una idea de Europa como productora de una Cultura con mayúsculas. Por este motivo, y aunque es indudable que el film ofrece numerosos y valiosos apuntes sobre las relaciones entre silencio y música y entre música y su representación visual en el cine, a mí me cuesta creer en esa idea de la Cultura Europea como base del sentimiento europeo cuando buena parte de ella fue financiada gracias al imperialismo del viejo continente. Esto no significa que Bach no me guste, sino que la propia idea de Alta Cultura en mayúsculas me tira un poco para atrás, y la creación de un sentimiento europeo no digamos... En cualquier caso, es fácil predecir que esta será la película más recordada de esta edición del festival, debido a sus experimentos con los límites entre documental y ficción o por su carácter insólito en la cinematografía española.

Juno, Dir. Jason Reitman. Creo que a los cinco minutos ya tenía claro que esta iba a ser la película ganadora del premio del jurado joven, como así fue, parecía hecha a la medida de este: comedia adolescente amable pero con un punto gamberro (nada transgresor), banda sonora de Kimya Dawson y múltiples referencias musicales a lo largo del film (de los Stooges a los Sonic Youth pasando por los Melvins, Sonic Youth o Belle & Sebastian). Sorprendentemente, a pesar de que este tipo de cine indie me cansa un poco, la película funciona porque el guión sabe hacer malabarismos para que sus personajes –que rozan la caricatura y están todos ellos construidos en torno a tópicos- se sientan vivos. Si el guión es capaz de hacer esto es porque se nota el aprecio hacia todos los personajes, no es Juno una visión despiadada de la sociedad, sino una mirada de comprensión hacia una galería de personajes imperfectos en busca de sí mismos, y eso es algo que siempre me gusta. Así que esta película no sorprende, pero entra muy bien. A destacar también la actuación de la actriz principal, a quien ya conocemos por interpretar otros personajes difíciles como el de Hard Candy. Era mi favorita para el premio a la mejor actriz, aunque finalmente se quedó sin él.

This is Jamaica, Dir. Jerome Laperrousaz. El gran acierto de este documental sobre la música jamaicana en la actualidad es que no privilegia ni un estilo sobre otro ni, sobre todo, pretende mostrarnos el juicio moral del director sobre lo que estamos viendo. Aquí son los propios músicos los que hablan sobre los temas clásicos del reggae, o al menos los que más han llamado la atención mediática: la violencia, las drogas, la religión, la corrupción del gobierno jamaicano, la esclavitud, las ganas de divertirse, etc. Quizás se hace un poco larga, y en algunas de las actuaciones se roza una dudosa estética tipo fiesta-en-la-mansión-Playboy, pero viene muy bien para ponerse al día en cuanto a la música jamaicana contemporánea. Y el mero hecho de escuchar los bajos atronadores del reggae con el equipo de sonido de una sala de cine es suficiente motivo para pagar el precio de la entrada.

Scott Walker: 30th century Man, Dir. Stephen Kijak. Fue curioso ver cómo hubo gente que salió despavorida del cine cuando este documental empezaba a hablar de las últimas grabaciones de Scott Walker. Una amiga, que solamente conocía su primer disco, me confesó que incluso había pasado miedo en el tramo final de este excelente documental que sabe transmitir muy bien el sabor de cada una de las etapas de un personaje al que alguien define en el mismo como el Ligeti del pop, una definición controvertida pero posiblemente no muy alejada de lasciertamente extrañas y en ocasiones crípticas intenciones del que fuera versioneador de Jacques Brel. Impagables, claro, las escenas que muestran los entresijos de su última, difícil y oscura obra maestra, The Drift. De todos modos… ¿cómo puede ser que David Bowie aparente cuarenta y tantos años en este documental?!!! Tanto esta como la anterior película comentada también se pudieron ver en la reciente edición del In-Edit en Barcelona.

Cargo 200, Dir. Alexey Balabanov. Extraña película que mezcla en su metraje la comedia juvenil, el cine de terror subdivisión psicópatas y la sátira política sobre el derrumbamiento del comunismo en Rusia, este film tiene su punto más fuerte en servir de ejemplo de cómo hablar del pasado de un país sin caer en la bobería nostálgica con que nos castigan numerosas películas y series españolas. Llena de personajes egoístas, malvados o directamente sádicos, la película no funciona tan bien como crítica política (un poco simplona) sino como alucinado cruce de géneros y emociones experto en helarte la sonrisa o en dejar al espectador con la duda de si reir u horrorizarse. Su bizarrismo podría hacer que se convirtiese en película de culto. Eso sí, cuando salí del cine me decepcionó un poco porque pensaba que era la típica película que muchos festivales traen para escandalizar, aunque ahora la recuerde con “agrado”.

Viva, Dir. Anna Biller. Una de las retrospectivas estuvo dedicada a esta directora norteamericana que produce, escribe, y dirige sus propios filmes, y además actúa en ellos. Viva es la historia de una ama de casa en los EEUU de los 70 que, en un momento de crisis matrimonial, decide sumergirse en el zeitgeist de liberación sexual de la época. La cosa pintaba bien y yo iba con todas las ganas de que me gustase, pero la película era excesivamente irónica, el mensaje feminista no es muy profundo, y no digamos ya su resolución, que cabreó a alguna conocida a la que pregunté su opinión sobre el tema. Lo peor es que había tramos de la película que parecían una broma privada. No, mi descubrimiento de esta edición del festival no fue este, sino la siguiente película:

Un homme perdu, Dir. Danielle Arbid. Otra de las retrospectivas de esta edición estuvo dedicada a la muy interesante directora libanesa Danielle Arbid, de la que pude ver esta película que participo en la quincena de realizadores de Cannes de este año. Planteada como un viaje a ese mundo árabe que no aparece en las noticias, en el que hay prostitución y bares en los que se canta, se bebe y se baila, la película es muy arriesgada por estar dirigida por una mujer libanesa pero poniendo el punto de vista en un personaje masculino y francés, personaje incómodo y en ocasiones muy cargante que no duda en inmiscuirse en las vidas de los demás para conseguir su reportaje fotográfico de prostitutas en el mundo árabe. Fue fascinante ver esta película hecha desde dentro de una cultura últimamente replegada sobre sí misma –o al menos eso nos dan a entender los medios de comunicación mainstream-, y además los ambientes nocturnos están muy bien conseguidos, así como el carácter introspectivo de sus dos protagonistas masculinos reflejado a la perfección con una fotografía de tonos azulados y una un tanto tópica banda sonora intimista. Ojalá que se estrene por aquí y podamos volver a verla fuera del apresurado entorno de un festival para fijarnos en más detalles, porque lo merece.

Batalla en el cielo, Dir. Carlos Reygadas. La mayor desilusión que me llevé en esta edición del festival fue cuando fui a por mi entrada para la nueva película del director mejicano (“Luz silenciosa”) cinco horas antes de su pase solo para comprobar que ya se habían agotado. Me gustaría sugerir al festival de cine que limitase los pases gratuitos o que pidiese una cifra simbólica de un euro o algo así como entrada para evitar lo que luego suele ocurrir; que la gente recoge las invitaciones para luego ir... o no. Es que luego te da mucha rabia cuando te enteras que en el pase de esta película había butacas vacías. Pero bueno, al día siguiente pude ver la anterior película del director, “Batalla en el cielo”, un impactante órdago cuyo tramo final, con giro narrativo sorpresa y viraje hacía el surrealismo feísta y malrollista herencia del Buñuel menos simpático y fascinado con los ritos religiosos me dejó clavado en la butaca. Pocas veces he salido de un cine con una sensación de bajona tan brutal como al término de la proyección de esta película. Reygadas promete mucho, con esos planos secuencia que te meten en la manera de ver el mundo –casi autista- de sus personajes, con su valentía para enfrentarse a secuencias de cualquier tipo, desde escenas de sexo real a explosiones de violencia inesperadas. Dicen que puede ser el nuevo Lars Von Trier, con lo que me imagino que la gente quiere decir que puede llegar a su mismo nivel de popularidad, pero yo no estoy muy seguro, Reygadas tiene muchísimo más peligro que el jugetón Lars Von Trier, el único film de Von Trier que me parece comparable con la obra de Reygadas es “Los idiotas”, aunque creo que la comparación tiene más que ver con una supuesta herencia común de ambos directores con Dreyer.

Help Me, Eros Dir. Lee Kang Sheng. No he visto todas las películas en la sección oficial a concurso del festival, pero esta fue la que más satisfecho me dejó, así que me alegro de que se llevase el premio más importante, a pesar de que ya me he enterado de que fue recibida con frialdad por el público en su pase del día siguiente a la entrega de los premios. Que conste que fui un poco con la crítica medio hecha, ya que Tsai Ming Liang es, posiblemente, el director que más me gusta desde hace un tiempo, y Tsai Ming Liang es el productor ejecutivo y director del diseño de producción de esta película. De hecho, su director y protagonista es el actor que suele aparecer en las películas del director de El sabor de la sandía. Todo apuntaba a que íbamos a ver una película muy Tsai Ming Liang, y el interés residía en ver en qué se diferencia esta película de las características comunes del director taiwanés. La respuesta es: poco o nada. Aquí vuelven a aparecer imágenes y metáforas visuales recurrentes: la noche, el agua, los neones, el sexo, la incomunicación, el existencialismo urbano, la comida, la música, el tempo pausado (agotadoramente pausado para algunos)… Una vez que has visto varias películas de Tsai Ming Liang ya sabes qué esperar de él y cuando empieza una película suya ya sabes cómo te va a sentar la película. A mí, ya digo, muy bien, será porque esos elementos recurrentes que he mencionado hace unas frases son también un poco recurrentes en mis gustos personales, en Ballard, en Burial, o en The Good, The Bad & The Queen. Por buscarle un par de peros a la película, por una parte he de decir que a pesar de todo el esfuerzo mimético Lee Kang Sheng no siempre consigue alcanzar ese punto de fascinación que logran las películas de Tsai Ming Liang, y que por otra yo prefiero la música kitsch que aparece en las películas del maestro al soporífero folk atormentado que aparece en esta película para ilustrar las fantasías del protagonista. Como en el caso de “Un homme perdu”, también deseo que se estrene por aquí para poder volver a verla.

The Future is Unwriten, Dir. Julien Temple. Ligeramente decepcionate documental sobre la vida de Joe Strummer. Reconozco que para un no iniciado a The Clash dispuesto a aprenderse los lugares comunes de la biografía de su líder la película resulta entretenida, al igual que amena es la manera de dirigir documentales del señor Temple, bastante similar aquí a lo que hizo en The Filth and the Fury, es decir, un uso de montones de metraje proveniente de grabaciones privadas, películas, noticiarios, etc. Funciona, claro que sí, pero si has leído England’s Dreming aquí vas a encontrar poco que no sepas, y si la película estaba centrada en Strummer no entiendo por qué desaprovecharon lo que el propio documental denomina como tramos oscuros en la biografía del inglés nacido en Ankara. Su estancia en Granada, sin ir más lejos, ventilada en este film en un par de escasos minutos. Pero vamos, que la película está bien aunque no me haya sorprendido tanto como The Filth and the Fury. Julien Temple sigue siendo un director a tener en cuenta.

Cada vez se me hace más difícil aprovechar al máximo el festival, a las crecientes obligaciones laborales se una una cada vez mayor y más preocupante falta de tiempo libre. Con deciros que todavía estoy haciendo cosas para el trabajo que tengo pendientes desde la semana del festival… Sirva esto como disculpa por no haber podido ver muchas otras películas que, según me han contado fuentes de confianza, han estado muy bien. Aquí os pongo una lista de estas películas por si en el futuro tenéis la posibilidad de verlas: The Darjeeling Limited (la nueva de Wes Anderson), This is England (a pesar de que Simon Reynolds haya dicho de ella que es una mierda se llevó uno de los premios de la sección Enfants Terribles), Lick your Idols (documental sobre el underground neoyorquino en los ochenta), A Very British Gangster (otro documental sobre un gangster real en Manchester), o cualquiera del ciclo del nuevo cine alemán, ciclo al cual solamente me acerqué para ver en pantalla grande Las amargas lágrimas de Petra Von Kant, cinta que, como es un clásico sobre el que hay más o menos consenso (siempre que te guste Fassbinder, claro) pues no voy a decir nada. Si has asistido al festival y quieres recomendar alguna película más, los comentarios están abiertos (recuerda, al comienzo de la entrada, debajo del título, está el link para los comentarios, que ya me han preguntado más de una vez dónde encontrarlos). Una pena que se me haya pasado esta edición tan rápido.

RDL 257: Radiohead, Burial, Grande-Marlaska...

2007-12-04T17:23:00.000+01:00

La entrada prometida sobre la edición de este año del festival de cine de Gijón va a tener que esperar hasta mañana porque está a medio escribir y hoy ya no me dará tiempo a terminarla. Aprovecho entonces para decir que el número de diciembre de RDL tiene unos cuantos contenidos muy del gusto de un servidor: artículo de portada para Radiohead sacándole aristas a la supuesta revolución llevada a cabo por los ingleses, interesantes entrevistas a Grande-Marlaska, Animal Collective y Jonston, el Untrue de Burial seleccionado como disco del mes, y sobre todo un imprescindible cd recopilatorio del sello Greensleaves, que cumple este año su treinta aniversario y por ese motivo quería comentar algo por aquí sobre este sello de reggae tarde o temprano, especialmente después de leer las superlativas críticas vertidas en el magnífico fanzine inglés sobre dubstep, grime y reggae llamado Woofah para con dos de los recopilatorios editados este 2007 por dicho sello.

Y, en la sección de críticas, me doy cuenta de que hay un montón de discos recientes que me pueden gustar mucho (Pram, Six Organs of Admittance, Glenn Mercer (!!!), La estrella de David…), y de que al fin y al cabo el 2007 no va a ser un año tan mediocre como me temía hace unas semanas. Por cierto, la crítica que hace Kiko Amat del disco de Grande-Marlaska, dará mucho que hablar con frases como:

De ahí Grande-Marlaska, un trío madrileño […] de indie pop rasgado, frenético y de extrema izquierda. ¡A joderse, neoliberales!

Premios festival de cine de Gijón, 2007

2007-12-01T20:38:00.000+01:00

Help me Eros, de Lee Kang Shen, ha recibido el premio a la mejor película en la edición del 2007 del festival de cine de Gijón. Premio totalmente merecido. Aquí abajo podéis ver el trailer. Por su parte, el premio del jurado joven fue para la comedia indie Juno, premio tan predecible que a los cinco minutos de comenzar la película yo ya supe que lo ganaría. Pero que conste que me gusta la película, aunque me gustó mucho más Help me Eros. El lunes doy más detalles sobre estas películas y otras que he visto.

Más Burial, hauntology...

2007-11-26T18:04:00.000+01:00

Mark Fisher (ya sabéis, K-punk) firma una entrevista cara a cara con Burial en el número de diciembre de Wire que me ha hecho darme cuenta que él es mi crítico musical favorito en estos momentos. La entrevista tiene un montón de perlas, como cuando Burial cuenta la gestación de uno de los temas más comentados de su último disco: “Archangel”:

"Me estaba preocupando”, recuerda él, “había hecho todos esos temas oscuros y se los puse a mi madre, y a ella no le gustaron. Iba a rendirme, pero ella fue muy dulce, y me dijo: “haz simplemente una canción, y que les den a todos los demás, no te preocupes acerca de eso”. Mi perro su murió y yo estaba totalmente hecho polvo a causa de eso. Y ella me decía: “Haz una canción, alégrate, quédate levantado hasta tarde, haz una taza de té.” Y yo la telefoneé 20 minutos más tarde, había hecho la canción “Archangel” y yo le dije: “he hecho la canción, la que me dijiste que hiciese”

En otra parte del artículo, Fisher puntualiza otro de los aspectos interesantes de la teoría denominada hauntology comentada aquí en la entrada anterior:

Burial es el caso más convincente de que nuestro zeitgeist es esencialmente hauntológico. El poder del concepto de Derrida reside en la idea de ser encantado o embrujado por hechos que en realidad no han sucedido, futuros que no llegaron a materializarse y permanecieron como espectros. Burial ansía algo que él no ha experimentado de primera mano: “Nunca he estado en un festival o en una rave o en una fiesta ilegal” dice él [Burial]”

Y yo me permito el lujo de volver el concepto de hauntology al terreno de la política y decir que, efectivamente, los espectros de las promesas no convertidas en realidad por la izquierda en el siglo XX hace que algunos ansiemos de una manera misteriosa algo que no hemos vivido de primera mano (la revolución, o lo que sea). Todo muy dub.

En el mismo número, un artículo con una pinta estupenda sobre Roxy Music, Michael Gira sometido al jukebox de la revista británica y una introducción al mundo musical de Harry Partch.

Y ya, ya sé que dije que no iba a escribir mucho durante los días del festival de cine de Gijón, pero, qué queréis, por lo visto uno no calla ni bajo el agua…

Hauntology

2007-11-23T20:42:00.000+01:00

No es el hombre moderno quien anda perdido. Son los muertos quienes vagan y nos llaman. Nos hacen señales, dice Kracauer, “como los árboles fantasmagóricos Proust, que parecen transmitirle un mensaje”. El sentimiento de déjà-vu se acompaña de la conciencia que le reclaman los “fantasmas del pasado”: “Como sombras parecían pedirme que los llevara conmigo, que los devolviera a la vida”.

La cita la encontré ayer en un artículo del Cahiers du Cinema que Arnaud Macé ha escrito acerca del libro de Siegfried Kracauer titulado Teoría del cine. La redención de la realidad física. Y lo pongo aquí porque me recordó la teoría de la hauntology desarrollada por Jacques Derrida para superar aquella tontería del fin de la historia que el liberalismo económico se sacó de la manga via Francis Fukuyama con el propósito de justificar un supuesto final del “diálogo” histórico entre izquierda y derecha… vamos, para intentar meterle doblada a la gente esa idea tristemente tan extendida de que ya no vale la pena luchar o, sencillamente, tener aspiraciones tradicionalmente denominadas como de izquierdas.

En la entrada de wikipedia sobre hauntology dicen algo que me gusta mucho: el final de la historia ha de ser insatisfactorio e insostenible, porque siempre tendremos que negociar con el pasado para seguir adelante, con unos fantasmas del pasado que surgen a cada dos por tres, como en Proust y su archiconocida magdalena, o mismamente como en Burial, que usa el tiempo pasado del 2step o el UKGarage en su música de un modo similar a como Proust usaba el tiempo pasado en el presente de su narración . En el contexto de la crítica musical anglosajona, Simon Reynolds, Mark Fisher (K-Punk) y otros han discutido mucho sobre el tema, sobre cómo la música hauntológica esquiva las referencias culturales huecas promovidas por el postmodernismo. Para los hauntológicos, los fantasmas del pasado se niegan a morir, vuelven a la vida a cada dos por tres, reclamando que les hagamos caso. Nunca he hablado por aquí de este tema, y todavía habría que hablar mucho más, pero en líneas muy generales podemos empezar diciendo ésto. No sé, me parece una teoría sobre la música muy interesante y entretenida, sobre todo porque luego puedes hacer el ejercicio práctico de determinar qué músicas o grupos son hauntológicos y cuáles son simplemente postmodernos.

Y, hablando de muertos vivientes, ¿habéis visto este trailer de la película [.REC]?

Benga / Coki "Night"

2007-11-22T13:07:00.000+01:00

"Night" es la canción que muchos señalan como la mejor del año en el terreno dubstep, y realmente esto suena futurista, sí, con ese filo futurista y excitante, incluso ocasionalmente inquietante que fue lo que me atrajo de esta música en primer lugar. Personalmente ya no puedo separar mi imagen mental de Londres de canciones como ésta, o igual es que he proyectado sobre este tipo de música lo que pienso sobre las megaurbes contemporáneas (algo de culpa supongo que también la ha tenido la película Hijos de los hombres, que como ya sabéis tiene dubstep en su banda sonora).

Por cierto, uno de sus creadores, de nombre Coki, es un miembro de Digital Mystikz, uno de esos nombres imprescindibles en el dubstep, y Benga está preparando -o lo tiene terminado ya- un LP de título Diary of an Afro Warrior. Título que, convendrán, promete mucho.

El single lo ha editado Tempa, sello que así se apunta otro tanto como principal proveedor de futuros clásicos del dubstep. Aquí se debería poder escuchar una remezcla de este tema con Dizzee Rascal (ni más ni menos), pero yo no he conseguido escucharlo. Si a alguien le funciona el link que cuente qué tal.

Thelemáticos

2007-11-21T12:09:00.000+01:00

El 7" de Thelemáticos editado por el sello Producciones Doradas es uno de mis discos favoritos del año. Hasta ahora disponible solamente en vinilo, desde ya puede ser descargado -junto a las canciones de una maqueta previa-, aquí... ¡a por ellas! ¡Ah!, y no me sean burros, no son solamente un grupo paralelo a Anticonceptivas; su sonido, como unos Television Personalities bañados por el mejor punk-pop español de los ochenta es personalísimo.

A ver si esto me anima...

2007-11-20T19:54:00.001+01:00

... que ya sabéis que Daft Punk es esa debilidad mía que nunca podré defender sin que me saltéis todos a la yugular, jaja.

En pitchfork le han dado un 8.5, se ve que los estadounidenses tienen todavía más debilidad por el dúo francés que yo.

Grandes frustraciones

2007-11-20T19:25:00.000+01:00

Pues resulta que me habían encargado entrevistar a Julien Temple, que viene a Gijón para presentar The Future is Unwritten, el documental sobre Joe Strummer que ha entrado en la sección oficial a concurso del festival de cine de Gijón (que este año tiene una pinta estupenda), pero ha querido la casualidad que tenga que trabajar justamente cuando debería estar entrevistando al señor Temple. En fin. Les cuento esto para que se me pase el cabreo y para recordarles que sigo vivo, paciencia que hasta principios de diciembre no creo que pueda escribir mucho aquí (sí, hay que echarle la culpa de ello al curro), y entonces volveré con mi resumen del festival de cine de Gijón. El domingo este blog cumple dos años, por cierto.

Foto del año

2007-11-14T20:57:00.000+01:00

Tego Calderón y Pepo (Grande-Marlaska, The Secret Society), dos de los responsables de algunos de los discos que más he escuchado este año, juntos en una foto.
Aprovecho para recordarles que se hagan fans de Grande-Marlaska, de The Secret Society y de Tego Calderón, no será porque no insisto con ellos aquí o en cualquier otro sitio.

Burial, Untrue

2007-11-12T21:24:00.000+01:00

BURIAL
UNTRUE
HYPERDUB
2007

Lo más difícil a la hora de ponerse a hablar del segundo disco del productor inglés Burial es saltar por encima de los obstáculos creados por el hype a pequeña escala organizado en torno a su edición. El secretismo acerca de la identidad de Burial –quien debe de haber aprendido de Aphex Twin que una buena leyenda creada en torno a uno mismo en el momento oportuno es igual de efectiva que una costosa campaña de publicidad-; el hecho de que cada una de las entrevistas publicadas antes de la edición del disco fuese un pequeño acontecimiento y el celo con el que fue protegido el disco para evitar su filtración antes de su lanzamiento contribuyeron a disparar unas expectativas similares a las creadas por el In Rainbows de Radiohead –aunque en una dimensión mucho más reducida, claro-. Por eso, muchos llegaron con todas las ganas de darle las cinco estrellas al LP a poco que respondiese a las expectativas, cosa no demasiado complicada si tenemos en cuenta lo dispuesto que se ha mostrado Burial a asumir todo lo bueno que se ha escrito sobre él en el último año y a redondear un contexto irresistible en el que situar su segundo disco. Burial sabe lo que queríamos escuchar y nos lo ha dado sin excesivos problemas, concentrándose en aquellos puntos más celebrados de su debut –como los samplers vocales, de los que aquí hay muchos más que en el primer disco, y usados de manera estupenda (oigan “Archangel”, “Near Dark” o “Untrue”, por ejemplo). Así que, una vez esquivados estos obstáculos, toca intentar hilar lo más fino posible para poder decir que este es un gran disco sin que suene a opinión precipitada por el entusiasmo. A ver si lo consigo.

Lo mejor de la mini-repercusión que ha tenido el lanzamiento de este disco es que habrá gente que le dé, por fin, la importancia que se merece a la tradición que va del hardcore, el drum’n’bass y el jungle al grime y el dubstep pasando por el ragga jangle, el 2step, el UK garage, etc., un terreno muy fértil y que no siempre ha tenido la respuesta crítica o comercial merecida y / o buscada. Untrue puede que sea una estupenda puerta de entrada para curiosos con ganas, como lo fue para mí en su día el Original Pirate Material de The Streets, o mismamente el debut de Burial, debido a su alto componente emocional y a lo fácil que es identificarse con la imagen del chaval volviendo a casa de una noche de fiesta con la música deshaciéndose en ecos en su cabeza evocada tanto en Burial como en este Untrue. Es, también, un disco que echa la vista atrás, al 2step y al UK garage, sobre todo en su primer tramo, el que va hasta “Ghost Hardware” (tema recuperado de un EP publicado entre el primer y el segundo LP) y que vuelve a aparecer en temas posteriores como “Untre”. En “Archangel”, uno de los temas más celebrados, Burial consigue un hipnótico ritmo sincopado de sabor terroso y futurista, rematado por una desarmante voz masculina. La canción es enorme, al igual que la que cierra el disco, “Raver”, con un título más que explícito y un sorprendente giro en su ritmo hacia el 4x4 del house, terreno que podría apuntar hacia una posible futura evolución del sonido de Burial, ahora que está claro que los límites del dubstep se le han quedado pequeños. Curiosamente, uno de los grandes referentes para el dubstep, Photek, también dio un giro hacia el house en su segundo disco, Solaris. Como ya he dicho, este disco se inscribe en la tradición denominada rave continuum en inglés, y en las grandes figuras de esa tradición se va fijando Burial para hacer unas canciones que evitan el vacío de la referencia postmoderna porque sí, porque aquí no hay nada de ironía. En Untrue hay mucha nostalgia pero también ganas de llevar las cosas más allá y, aunque en este propósito se ha quedado corto con respecto a su primer disco (es casi inevitable que el efecto sorpresa se haya desgastado), en las canciones de su segundo álbum sigue habiendo la suficiente vida como para celebrar su edición.

En cuanto a las conexiones sonoras, algunas de las que he detectado y no me parece descabellado señalar están el Brian Eno más ambient en “In McDonalds”, en la que también hay apuntes al laptopismo de Fennesz, los KLF de Chill Out en “Endorphin” y, sobre todo, Aphex Twin en “Etched Headplate”, canción que incluye una melodía semi-oculta entre todas las capas de sonido que podría haber aparecido en cualquiera de los dos volúmenes de la serie Selected Ambient Works editadas por el de Cornualles en la primera mitad de los noventa. Una última referencia, que saco un poco tímidamente, es la de Japan, grupo del que me acordé porque no puedo quitarme de la cabeza que la portada de Untrue tiene un cierto parecido con la de Tin Drum; ambas tienen un aire entre austero, metálico, introvertido y futurista, y ambas encierran un disco frío, nocturno y emocionante.

De modo que sí, el disco me ha gustado mucho en las primeras escuchas, ahora solo falta dejarlo reposar y ver si aguanta tan bien como el primero.

Pere Ubu, The Modern Dance

2007-11-08T17:12:00.000+01:00

PERE UBU
THE MODERN DANCE
RANK
1978

A mediados de los setenta Cleveland era, económicamente, una ciudad industrial en lento declive desde el final de la segunda guerra mundial, con su paisaje urbano marcado por las chimeneas, los hornos altos y la contaminación industrial proveniente de sus acerías. Musicalmente, resultó ser un cruce de caminos entre el rock de cemento de principios de la década dictado por los Stooges, la experimentación con las formas del rock de Captain Beefheart –que prácticamente ya pertenecían a la generación anterior por aquel entonces- y el futuro y futurista sonido de sintetizadores de los neoyorquinos Suicide. De ahí surgieron Pere Ubu, y también de un extraño momento histórico en el que hippies desencantados cedían el paso a proto-punks en estado de excitación creciente. En Cleveland, todo esto cristalizó en una personal revisión del rock a cargo de una banda de clase media y pretensiones artísticas muy lejanas al sentimiento filo-obrero y a la falta de ambición inicial que marcó los primeros momentos del idealismo sesentero y el nihilismo setentero. Eran tiempos extraños y, por fuerza, la música de Pere Ubu también tenía que serlo, y desde luego que lo fue. Antes de llamarse Pere Ubu, hicieron su personal apuesta por la credibilidad rockera con el grupo Rocket from the Tombs, grupo en el que estaba Peter Laughner, quien murió víctima del estilo de vida salvaje. Su ausencia marcaría el hecho de que Pere Ubu reorientasen su interés hacia un optimismo –existen citas de David Thomas echando pestes contra el nihilismo punk- que, en cualquier caso, resulta difícil encontrar en The Modern Dance.

Las partes que a mí más me gustan de este disco son aquellas más físicas y, quizás, menos arty: el sintetizador de “Street Waves” simulando una tormenta de aire en un oeste post-apocalíptico -como en la desarmante y magistral nueva novela de Cormac McCarthy, La Carretera- o la guitarra de “Humour Me”. Es decir, me gustan más cuando se mueven en el terreno tirante entre el rock más clásico y la No Wave terminal, entre el rock en estado salvaje y su negación en forma del movimiento musical neoyorquino apadrinado por Brian Eno. En esa tensión entre ambos extremos es donde reside gran parte del interés y la energía de este disco que, en otros momentos, cuando más arties se vuelven, pueden resultar un poco tediosos o pesados de escuchar.

A veces pienso que lo peor de este disco es el tono asexuado de partes del mismo, en parte como consecuencia de la ambigua –aunque poderosa y magnífica, pese a todo- voz de David Thomas y del ruido blanco escupido por los sintetizadores. Ocasionalmente les falta más carga sexual de algún tipo, porque en ocasiones se esfuerzan tanto en ser artísticamente conscientes de lo que hacen que se olvidan de rellenar los espacios entre sus instrumentos con sangre para que tengan vida propia Pero este es un detalle sin demasiada importancia, ya que ellos estaban en un equilibrio justo entre el avant-garde musical que se sacaron de la chistera inspirados por el paisaje urbano de Cleveland y el rock más angustioso de finales de los sesenta y comienzos de los setenta, ese que está marcado a fuego por los discos de la Velvet Underground y los Stooges. Quizás por eso, “The Modern Dance” habla de la muerte de la ciudad como un lugar en el que se pueden proyectar sueños utópicos. Esto es lo que dice David Thomas al respecto, en una cita extraída del libro “England’s Dreaming”:

I wondered at what point a civilization hits its peak and then begins to decline. All those deserted cities, the jungle overgrows them: at what point does the city die? At what point do the people who live there no longer understand the vision of the builders?

Cita que, de hecho, me recuerda a aquello de lo que hablábamos hace unos días acerca de la relación entre el modernismo arquitectónico y la estética de la muerte. Si entonces la conclusión fue que los arquitectos modernistas hacían edificios inhabitables, y si nos ponemos de acuerdo en que el post-punk tiene mucho de modernismo musical, ¿significa esto que la música de Pere Ubu es música inescuchable? Afortunadamente no es así, pues estaban demasiado vinculados a un pasado y un futuro musical excitante en el que ellos se integraron muy bien, y sus canciones serán arty, pero tienen el porcentaje suficiente de agresividad para que te afecten de una manera más personal. Pere Ubu nos cuentan en este disco que, a mediados de los setenta en EEUU, una ciudad industrial era un sitio inhóspito para un joven inquieto, y ellos estaban dispuestos a exorcizar esa angustia existencial.

De su disco de debut, la canción que más me gusta es “Humour Me”. Es una canción bastante oscura, como todo el disco, pero más física que las demás gracias a una estupenda sección rítmica (bajo, batería y palmas) que te agarra y te golpea mientras la guitarra suena distorsionada y crujiente, entra en el momento exacto y devuelve a la tierra un disco que por lo demás es bastante espacial. El uso de los sintetizadores es muy destacable a lo largo de todo el disco -con el ya mencionado efecto espacial-, y puede servir como vara de medir las aportaciones exitosas de dicho instrumento a una formación de rock. Este imaginativo y agresivo uso de los sintes añade otra capa de cercanía táctil al conjunto. De la inicial “Non-Alignement Pact” me quedo con su sección rítmica, su estribillo punkarra, sus afilados teclados y otras cosas que me recuerdan al krautrock, el free jazz y el funk espacial. Como en “Humour Me”, que es la canción que más me gusta del disco en estos momentos, “Non-Alignement Pact” luce en su tramo final una guitarra distorsionada para dar el adecuado efecto post-industrial. En “The Modern Dance”, en cambio, los teclados no son tan afilados, casi son hasta disco, eso sí, el posible acercamiento a un formato más bailable está continuamente saboteado por ráfagas de ruido. En “Life Stinks”, un David Thomas especialmente desatado logra un curioso efecto al fundir su voz con los instrumentos de metal. En esta, como en otras canciones del disco –estoy pensando en “Chinese Radiation”, por ejemplo- el bajo se despreocupa de su función rítmica y se vuelve melódico. “Real World” comienza con el ruido de la estática de una radio y se desarrolla como si quisiese marcan algunas de las coordenadas del rock australiano que Nick Cave, Radio Birdman y compañía estaban a punto de desarrollar. A “Over My Head” le doy cinco estrellas inmediatamente por su caos de sirenas, coros, percusión tribal y guitarra alucinada.

Todas estas son canciones que se tropiezan en su propio desarrollo, que cambian frecuentemente de ritmo o son interrumpidas por ruidos de distinta procedencia. Todo esto provoca un efecto extrañamente alucinógeno en el oyente, similar al efecto causado por el ritmo de la prosa de Louis Ferdinand Celine. Con The Modern Dance el rock estadounidense se sumergió gustoso en la oscuridad nocturna, en su particular corazón de las tinieblas. Y todo esto pese a que en ocasiones eran demasiado estirados o conscientes de sí mismos, y es que su música era mejor cuando se alejaba de los museos y se acercaba al ruido de la gente o incluso de las máquinas de su ciudad. O quizás es que, precisamente, su atractivo surge de esa tirantez entre el rock más primitivo y el art-rock más futurista. Este disco escenificaba una tensión no resuelta entre el horror y la atracción frente al paisaje urbano de Cleveland, pero, en cualquier caso, esto es futurismo rock de órdago, sí.

T2 - - - "Heartbroken"

2007-11-02T09:46:00.000+01:00

Me uno al entusiasmo de anhh por la edición de "Heartbroken" de T2. Si habéis estado husmeando por foros como dubstepforum o dissensus, a lo largo de este año os habréis encontrado con trozos de este tema incrustados en mixtapes y comentarios entusiastas. Además, tengo que dejar por escrito que esta canción ha supuesto mi primer encuentro con el bassline, otra vuelta de tuerca más a los sonidos urbanos del Reino Unido. Esta es una de las canciones que han marcado mi 2007, por cierto.

Deberes para el puente:

2007-10-31T13:54:00.000+01:00

1) Escuchar los siguientes -y esperadísimos- discos de dubstep que saldrán a la venta en los próximos días:
Los treinta segundos de una de las canciones que se incluyen en el segundo disco de Burial, de título "Archangel", se pueden oir aquí, y son más que suficientes para que yo ya esté barruntando que esta será, muy probablemente, la canción que más voy a escuchar en lo que queda del año. Tanto esa canción como el mix de Kode9 en el programa de Mary Anne Hobbes hecho con todas las canciones de este disco pintan muy bien. Por lo demás, supongo que ya estarán enterados de que él será la portada en el número de The Wire de diciembre. la entrevista, por cierto, se la ha hecho K-punk.

El disco de Pinch, Underwater Dancehall, ya lleva unas cuantas semanas haciendo mucho ruido. Parece que el disco supondrá el inevitable encuentro entre dubstep y la incansable escena de Bristol. Cuando lo tenga en mis manos y lo haya escuchado las veces necesarias, hablaremos de si es mejor la versión con voces o la versión instrumental del disco, ambas se venden de manera conjunta. Mientras tanto, podemos echar un vistazo a los tópicos que es conveniente evitar cuando se hable de este disco apuntados por anhh. Yo, por si acaso, ya adelanto que no me resistiré a usar alguno de ellos.

Tras un primer volumen más que estimulante en mi opinión pero que provocó alguna que otra reacción suspicaz por el posible intrusismo oportunista de Soul Jazz en el dubstep, llega el segundo volumen, con temas inéditos de Kode9, Skream, Pinch...

2) También tengo que pasarme -sin poder evitar que alguna lágrima me asome por los ojos- por el bolaocho el sábado porque esa será la última noche en la que abran. Todo mi respeto y agradecimiento por sus responsables, pues gracias a ellos debuté en la tarea de pinchar discos. Hace tiempo dije que cuando cerrasen el bolaocho y la plaza me mudaría de ciudad... bueno, voy a cambiarlo ahora por "cuando cierren la plaza y el sonotone me mudaré de ciudad". Además, uno de los responsables del bolaocho prepara ya el regreso, pero de eso hablaremos en su momento.

White Noise, An Electric Storm

2007-10-30T16:26:00.000+01:00

WHITE NOISE
AN ELECTRIC STORM
ISLAND
1969

Esto es lo que dice Mrs. Ahab acerca de este disco en la revista electrónica Head Heritage:

one of the freakiest, most frightening, far out and forward thinking albums you may ever get to hear.

Y es que no es muy habitual encontrarse con un disco que puedes recomendar con relativa seguridad a un amigo seguidor del krautrock, de la música concreta, de la industrial o de la psicodelia británica. Vale, la mayoría probablemente se quejarían del envoltorio pop de An Electric Storm, pero para aquellos que no hacemos ascos a ninguno de los géneros mencionados, dicho envoltorio nos parece un modo perfectamente válido de hacer que todas las referencias que nos asaltan los oídos cuando escuchamos este disco tengan coherencia interna. Pero lo realmente sorprendente de este disco es cómo nos hace acordarnos de músicas pasadas, presentes (el presente aquí es el año de publicación del disco: 1969) y, sobre todo, futuras; la referencia al krautrock solo se puede apreciar de manera oblicua, pero aquí podemos encontrar uno de los libros de estilo de Stereolab y, sobre todo, Broadcast. Y, por si esto fuera poco, a lo largo del álbum se simulan sonidos de distinta procedencia –a veces resulta francamente difícil determinarla- que evocan placeres y fantasmas psicológicos, como si sus creadores fuesen conscientes de que estaban dejando atrás la inocencia con que se maquilaron los sesenta a través de los medios y que estaban a punto de entrar en los setenta con el maquillaje corrido, o al menos los medios de comunicación se encargarían de emborronar la cara bonita de los sesenta cebándose sobre Altamont, Manson y el natural cansancio que evidenciaban las distintas escenas a la altura de 1969. Es difícil determinar hasta qué punto estaba entre las intenciones de la banda el reflejo del zeitgeist socio-cultural, pero en mi opinión está claro que éste se coló por los entresijos del mismo. Ahora mismo, leyendo los artículos que han ido apareciendo con motivo de su reciente edición en cd, no se le recuerda tanto por ser un disco que define una época como por su carácter radicalmente experimental y avanzado a su tiempo, pero ya veréis como sí que se puede ver así.

White Noise –cuidado con confundirlos con el grupo de power electronics Whitehouse- son comparados con frecuencia con los United States of America, y algo de razón hay: la voz femenina (etérea, lisérgica), el interés por un proto-pop electrónico, etc, pero a lo que de verdad recuerdan en sus mejores momentos de este irregular disco es a un cruce entre Beach Boys y el BBC Radiophonic Workshop. Precisamente de este peculiar organismo público británico, encargado de experimentar con cachivaches electrónicos para proporcionar a la BBC todo tipo de sonidos y sintonías, y que hoy en día es recordado desde una perspectiva pop sobre todo por ser los creadores de la sintonía de la serie Doctor Who, salió Delia Derbyshire, una de las tres integrantes del núcleo duro de White Noise. Los otros dos eran Brian Hodgson, con quien Delia ya había formado equipo en Unit Delta Plus y, por encima de ellos, David Vorhaus, a quien la BBC Radiophonic Workshop le resultaba fascinante pero que, con White Noise quería, simple y llanamente, forrarse con un único single. Esa era la idea de Vorhaus hasta que Chris Blackwell le fichó para Virgin y le dio 300 libras (¡de las de 1969!) para gastarse en la grabación de un disco que tardó un año en ser cocinado en el estudio. Si al escucharlo os parece mucho tiempo, recordad que el disco fue montado de una manera casi artesanal; cortando y pegando cinta, manipulando poco a poco los sonidos grabados, encogiéndolos, estirándolos hasta dar con el efecto deseado o descubrir cosas inesperadas. Esto último intuyo que sucedió con frecuencia dada la temática lisérgica que aparece ocasionalmente en sus letras. Todo este laborioso trabajo de ensamblaje suponía la imposibilidad de su reproducción en directo, alejándoles de la dinámica de cualquier grupo pop de la época y, por supuesto, de las listas de éxitos.

En su momento este disco pasó un poco desapercibido, lo cual no es de extrañar porque en el 69 la oleada lisérgica en el pop británico ya estaba entrando en su fase resacosa. Recordad que el Sgt Peppers y el The Piper at the Gates of Dawn ya tenían dos años, toda una eternidad para la vertiginosa velocidad a la que sucedían las cosas en el pop anglosajón por aquel entonces. Por eso, y porque de todos modos es un disco raro de narices, han hecho falta muchos años y cierto nivel de exposición al krautrock, la música industrial y el pop retro-futurista de Broadcast para poder volver a escuchar este disco y darse cuenta de su valor como precedente de muchas cosas que nos gustan en el 2007, año en el que este LP no desentona del todo si lo ponemos al lado de joyas como el último disco de Black Moth Super Rainbow.

El disco en sí contiene tal cantidad de sonidos, sensaciones, bizarradas, aciertos y desaciertos que un comentario detallado llevaría páginas y páginas, bastará, por el momento, decir que “Love Without Sound”, cuya letra muy Giorgio Moroder me hace pensar que este grupo ha de estar entre los ancestros europeos de la música europea, está inundado por sonidos exóticos orientales, además de gritos, gemidos y ruidos proto-industriales. “My Game of Loving”, que melódicamente es muy Bart Bacharach, recuerda tanto a los sonidos que asociamos con el Oeste estadounidense como al Serge Gainsbourg más turista y sexual. Parte de la letra está cantada en francés, y otra parte en alemán, convenciéndome todavía más del toque continental del disco. Para rematar, esta canción cuenta con un bajo y una batería (¡ese break de batería hacia el final!) tan estupendos que no me extrañaría descubrir que ya han sido sampleados por alguien en Bristol. Al final de la canción, latigazos, gruñidos, gemidos y… ronquidos. “Our Hidden Dreams” es el mejor ejemplo de pop perfecto en su nostalgia de un futuro utópico que nunca llegó. El disco no es perfecto, eso sí, “Here Come the Fleas” me parece un poco tonta, por ejemplo, pero eso no evita que este sea un disco muy recomendable. Y quizás es muy oportuno que hable de él en una semana como esta, puesto que “The Visitation” y “Black Mass” son dos temas ideales para ir calentando motores de cara a Halloween. La primera es un auténtico trip, un mal viaje, un collage que recuerda a aquel otro que hicieron Diabologum con diálogos de La Mamain et la Putain, y una historia de fantasmas. La segunda… bueno, creo que el título lo dice todo, ¿no?; ahí hay drones vocales de ultratumba, una batería en caída libre y teclados planeadores. Si todo esto os parece un pastiche exagerado, preparaos para la sorpresa de un disco que, sin duda como consecuencia de su cuidado proceso de creación, es mucho más homogéneo de lo que parece a simple vista.

Aburrimiento 2007 (3) : blogs y e-zines

2007-10-29T16:24:00.000+01:00

No, no os penséis que me voy a poner a cargar en contra de los bloggers, en primer lugar porque sería tirar piedras contra el propio tejado, en segundo lugar porque sería una entrada de mal gusto, y en tercer lugar porque es en los blogs y revistas electrónicas en donde suelo buscar y encontrar las pistas necesarias para descubrir nuevos discos. Y, en cuanto a lo del título de este post, que ya va por su tercera entrega, pues no es más que una broma a costa de los apocalípticos posts que está haciendo Simon Reynolds acerca de los mismos temas pero bastante más en serio.

Pero el caso es que a lo largo de este año han cerrado sus puertas Tangents, Tremolina, Karpov y, en un par de días... Stylus. Este último será sin duda el que llame más la atención, pues era quizás el único webzine que podía competir con la cada vez más intimidante hegemonía de Pitchfork. ¿Efecto dominó?... lo dudo; los fanzines siempre han tenido una duración limitada, y eso es, de hecho, algo positivo; desde luego es mejor dejarlo a tiempo, una vez que la gente se ha quedado con una idea clara de qué es lo que querías decir, que convertirse en un muerto viviente, que es lo que le ha ocurrido al NME. Pero, centrándonos en el contexto de internet, los cierres de estos blogs y de Stylus suponen un baño de realidad: el techo, en cuanto a popularidad y reconocimiento, ya ha sido alcanzado -por Pitchfork, claro-, la efervescencia de los primeros años se ha ido diluyendo.

Tal y como dice Simon Reynolds en su entrada de hoy, se echará de menos a Stylus porque era más fanzine que Pitchfork, y aunque el profesionalismo de esta última está bien para hablar de según qué cosas, la pasión amateur de los primeros entraba como la seda cuando se trataba de de hacer listas un poco chorras o especiales de una semana con todo tipo de excusas.

En cualquier caso, bueno es también recordar que a lo largo del año han ido surgiendo otros blogs en español más que prometedores: Musica en la mochila -ejemplar incursión en el mundo del blog de dos veteranos de la crítica española: Víctor Lenore, David S. Mordoh más invitados-, B'dum B'dum, anhh... Lo que quiero decir es que los cierres mencionados en el párrafo inicial no deberían llevarnos a la tentación de decir que esto de los blogs ha perdido pegada o eficacia, simplemente, lo que está ocurriendo es un sano y necesario relevo. Eso sí, ¡si al menos surgiese alguien capaz de hacer frente a la preocupante y aburrida hegemonía de Pitchfork!

Dos cosas

2007-10-26T12:24:00.000+02:00

Una alegre...

... y otra un poco triste; Ladinamo pierde sus cuarteles generales. Como un servidor ha colaborado con Ladinamo en su revista me da especial rabia todo este asunto. Pero bueno, estoy seguro de que podrán seguir adelante de una u otra manera.